Вита.Пунская

Вита ПУНСКАЯ: Необычный «концерт» в Нижегородском театре драмы

 
 

(Нижегородский театр драмы, «Концерт для острова с оркестром», режиссёр

Алла Решетникова)

«Музыку нотами не сыграешь, музыку сыграешь душой» (Д. Крамер)

Музыка всегда являлась тем языком, который понятен любому человеку. Каждый хоть раз в жизни прислушивался к мелодиям морского прибоя, к веселому пению птиц, к завораживающим звукам леса, к медитативному ритму дождя. И поэтому сама завязка действия смотрится любопытно. Когда зрители готовы насладиться зрелищем, а занавес еще закрыт, уже слышен плеск морских волн на фоне приятной музыки, который навевает романтическое настроение. А через минуту на большом экране зритель видит чудесную панораму: волнуется синее море, с криками летают белые чайки, высится большой маяк, а по набережной бродит парень с барабанными палочками в руках, смотрит на море, прислушиваясь то ли к себе, то ли к окружающему миру. И вскоре он останавливается, начиная дирижировать. Похоже, что он дирижирует звуками природы, а может быть, той музыкой, которая звучит у него в душе.

Магистральную идею «Концерта для острова с оркестром» Алла Решетникова – автор пьесы и режиссёр – поясняет так: «Это спектакль о том, что, находясь в закрытом пространстве, человек может создавать целые миры». И в данном случае – это миры музыкальные, которые для этой постановки создал талантливый композитор Павел Амбарнов.

Режиссёр уверенно ткет лоскутное полотно многоголосого повествования о жизни островной семьи. Калейдоскопичная постановка удивляет своей зрелищностью и многообразием характеров. В спектакле есть множество интересных находок. Это и бар, преобразующийся то в помост, то в набережную. И вертикально стоящая лодка, в которой как бы «распят» пьяница Тим. И вздымающийся огромный шлейф красного платья, на фоне которого парит певица. Этот шлейф, скорее всего, символизирует страсть к жизни: он взмывает вверх, раскрываясь как цветок во все стороны. Нельзя не отметить и романтичные пейзажи, на фоне которых звучит музыка и творится действие.

Большую часть второго акта занимает уже настоящий концерт островитян. После горячих поцелуев влюбленных со сцены раздается утверждение: «Все зависит от того, сколько энергии у тебя внутри». А во время завораживающего представления видно, что жизненной энергии у жителей острова хоть отбавляй. Ведь раз есть цель, то будет и энергия.

И вот один концертный номер плавно переходит в другой. Ритмичный танец перетекает в лирическую песню. Артисты театра раскрываются для зрителя с новой стороны. «Песенку для двоих» исполняют Сергей Трофимов и Маргарита Баголей, и, кажется, что сама любовь говорит их устами. Романтическая поэтика музыкального шоу нарастает. Три пары азартно танцуют танго. Музыкальный праздник набирает обороты. Денис Гусев проникновенно поет песню «Зима». Алена Глазырина и Маргарита Баголей гармонично поют дуэтом.

В некотором смысле, заключительная часть спектакля – это чистой воды музыкальная терапия, поднимающая настроение. А терапия эта существует ровно столько, сколько существует мир. Примечательно, что в финальной песне повторяются такие слова: «Остров сделай из себя – остров неземной». И становится понятна мысль режиссера: «Мне нравится идея воспитания человека-вселенной» (Алла Решетникова).

«Ты – дитя вселенной, также как деревья и звезды. И твое право – быть здесь. Ты – часть Универсума. Ты не чужой здесь. Ты здесь не случайно – ты здесь необходим. Помни: самая важное в жизни – чувствовать себя необходимым, и если ты почувствуешь, что вся жизнь нуждается в тебе, ты будешь счастлив. Ты изменишься. Если тебе удастся почувствовать, что все существование нуждается в тебе – это будет твой самый грандиозный опыт, и ты будешь жить в экстазе…»

(Ошо Раджниш) кому-то тебя не хватает, что если бы тебя не было, был бы вакуум. Ты небесполезен, ты не поверхностен, ты важен. А поэтому, люби самого себя. Ты здесь необходим как необходимы деревья, цветы, птицы, солнце, луна, звезды. Ты должен быть здесь и имеешь право быть таким, какой ты есть. Утверждай себя таким какой ты есть и никогда не чувствуй себя виноватым.

Конечно, не приходится говорить об избыточности декораций, но это компенсирует оригинальная работа художника по свету Евгения Виноградова и постоянно меняющаяся видеозаставка на заднем плане, над которой трудился видеограф – актёр Николай Смирнов, лауреат Премии Нижегородской области им. М. Горького. Сценическое действие отлично вписывается в потрясающие морские пейзажи.

В театральном зрелище важна такая универсальность, когда становится ясно, что речь идет не только о герое спектакля, но о любом человеке вообще. Алла Решетникова в своем интервью подчеркивает: «Я говорю про уникальность каждой личности». А когда мы понимаем мотивы возникновения пьесы, тогда можно интерпретировать смысл. И интерпретировать его можно словами Д. Кэмпбелла: каждый должен «найти свою уникальную песнь в бесконечной и прекрасной симфонии нашей жизни».

Ну, а под занавес всё происходит как в сказке. Прилетает «волшебник» на вертолете и сбрасывает на площадку цветущего острова веревочную лестницу. Кто же по ней поднимется в небо? Догадаться не так уж сложно. И вот юный композитор, радостно улыбаясь, уже поднимается вверх, прямо как в фильме «Тот самый Мюнхгаузен». Ведь если кто-то готов «взлететь», то «вертолет» не заставит себя ждать.

Однажды Василий Ключевский сказал: «Музыка вызывает в нас аппетит к жизни». Вполне возможно, что и спектакль «Концерт для острова с оркестром», вызвавший бурные овации, тоже смог вызвать у зрителей аппетит к жизни.

Вита Пунская

Вита ПУНСКАЯ: Пьеса пронизана символическими намеками

 
 

(Нижегородский театр драмы, «Зойкина квартира», режиссёр Александр Марин)

«Жизнь каждого человека, если обозреть ее в целом, представляет собой трагедию, а рассматриваемая в частностях, она – комедия». (Шопенгауэр)

Как говорится, терапия искусством сейчас в тренде. И любой креативный спектакль немного раздвигает границы сознания, помогая понять что-то новое и о себе любимом, и об этом мире. И вот, в конце апреля, Нижегородский театр драмы порадовал зрителя как раз такой креативной премьерой. А именно, ярким многослойным спектаклем по пьесе знаменитого драматурга М. Булгакова, кстати, выстроившего свой текст по всем правилам старой доброй трагикомедии.

Стало быть, добро пожаловать на буффонаду под названием «Зойкина квартира». Буффонаду, как значится в программке, трагическую. Как известно, современное театральное искусство – это почти всегда отказ от стереотипов. Такова и сценическая версия пьесы московского режиссера Александра Марина. Она получилась оригинальной, эротичной и веселой. Причем спектакль держит внимание зрителя на всем своем протяжении, не давая отвлечься ни на секунду.

В спектакле присутствуют все критерии талантливой постановки. В первую очередь, это свежий подход режиссера и яркая харизма исполнителей. На втором месте – оригинальные костюмы (Л. Шепета), а порой и их отсутствие. Без сомнения, важна и музыка, органично вплетенная в ткань спектакля (композитор Д. Марин). Ну, и конечно, привлекают внимание танцевальные номера, поставленные Асией Горбачевой. В данном случае это откровенные зажигательные танцы, которые придают московской истории и четкий ритм, и жгучий вкус запретного плода. В постановке все настолько увязано воедино, что смотрится как фильм, в котором не заметно никаких швов. В общем и целом, зрелище получилось довольно праздничное, да еще приправленное страстной эротикой.

Что можно сказать про декорации? На сцене из мебели присутствуют только платяной шкаф и кровать. В шкафу периодически прячутся персонажи. А порой, как в черной дыре, кто-то даже исчезает. Хотя истинное назначение шкафа – хранение нарядов из красивой парижской жизни. Это настойчивый зов в манящую Францию. Ну, а на кровати творятся всякие дела, в соответствии с характерами персонажей.

Итак, главный персонаж истории – некая московская вдова Зойка. По профессии она – закройщица. В исполнении Натальи Кузнецовой эта молодая вдова очень хороша. И не просто хороша, а можно сказать безукоризненна. Элегантность сквозит во всех движениях актрисы. Идеальная осанка и отличная фигура соответствуют статусу богатой дамы. Приподнятый подбородок выдает определенную гордыню. Плюс профессиональный макияж и пышная модная прическа. Самоуверенность Зойки зашкаливает. Похоже, она знает, как манипулировать людьми мира сего. В интеллекте ей не откажешь, как и в умении подать себя. Есть в ней и привычка рационально мыслить, судя по беседам с ее любовником со странной фамилией Обольянинов.

Зойка совсем не желает, чтобы ее «уплотняли», как было принято по тем временам. Собственно, с этой целью в одно прекрасное утро и приходит к ней председатель домкома Аллилуя. Валентин Ометов весьма органично исполняет эту роль.

Конечно, у такой женщины как Зоя не может не быть любовника. Это бывший дворянин Обольянинов. В этой роли выступил Николай Смирнов. Его персонаж – это некий интеллигент. Кто же он на самом деле? Скорее всего, бездельник, живущий идеями свой женщины и ежедневными инъекциями. Так на сцене появляется молодой китаец по имени Херувим, который будет приносить Обольянинову химическое зелье. Милая улыбка и вкрадчивый голос Сергея Трофимова, исполняющего роль Херувима, очаровывают горничную Зойки. Молодой актер вызывает симпатию и у зрителей. Причем этот самый Херувим и сыграет роковую роль в жертвоприношении на алтарь новой жизни. Херувим – это сама судьба, вмешавшаяся в ход событий. Возможно, ангельский лик несовместим с убийством. Но так ли это? Может быть, ангелы снимают людей с земного плана, когда они выполнили свою миссию?

Ну, а крепкая завязка сюжета происходит в тот момент, когда в квартире появляется родственник Зои. Этот обладатель красивой фамилии Аметистов сваливается как снег на голову. Причем, материализуется очень кстати. Актер Денис Гусев играет роль этого жулика азартно и темпераментно. Его герой так и пышет энергией. Он активно жестикулирует, вдохновенно произнося свои бесконечные монологи. Кажется, что актер забывает о зрительном зале, погружаясь в свою колоритную роль. Аметистов гениален почти как Остап Бендер. Он также изящно управляет окружающими.

«Ваша любовь к ближнему есть ваша дурная любовь к самим себе. Вы бежите к ближнему от самих себя. Вы не выносите самих себя и недостаточно себя любите; вот вы хотели бы соблазнить ближнего на любовь и позолотить себя его заблуждением».

(Ницше)

Ключевой персонаж пьесы носит фамилию Гусь-Ремонтный. Это финансовый директор предприятия, богатый промышленник. Он же – первый посетитель дома свиданий. Роль Гуся исполняет заслуженный артист РФ Сергей Блохин. Его персонажа постигает тотальное разочарование. Что может быть хуже, чем когда узнаешь, что твоя возлюбленная работает в борделе... Эмоциональные сдвиги своего персонажа С. Блохин показывает очень ярко. От бессилия катаясь по полу борделя, актер умело соединяет выражения внешней эмоции гнева и внутреннего дискомфорта. Он замечательно передает горькое состояние покинутости. Что стоит на кону у героя? Его любовь. Самое лучшее, что случилось с ним в жизни. И он неистово жаждет вернуть все так, как было раньше.

Внешний конфликт Гуся переходит в конфликт внутренний. Горько сознавать, что та, которую ты любил, была с тобой только из-за денег. А деньги счастья ему не принесли. И он начинает раздавать их посетителям борделя. Не говорит ли это о благотворительности, которая следует за разочарованием в мирских делах?

«Дарить – не есть ли потребность? Брать – не есть ли сострадание? Должен ли благодарить дающий, что берущий брал у него?» (Ницше)

Надо отметить, что «Зойкина» история изнутри не является тем же, чем снаружи. В этом спектакле не все так уж прозрачно. Тема вроде понятна и актуальна: обогащение посредством запрещенной деятельности. Советские нувориши покупают запретный плод. Ибо денег куры не клюют, а счастья нет. И любви нет.

Но всем известна склонность Булгакова к мистике, к различным трансформациям и к говорящим фамилиям. И эта пьеса, без сомнения, пронизана символическими намеками.

Итак, фамилия Зойки звучит так: Пельц. А как переводится это слово? Шуба или шкура. Значит, Зойка в понимании Булгакова – это человек со шкурным интересом. Но кто занимается обработкой этой шкуры? Ну, конечно, возлюбленный по фамилии Обольянинов. Ведь «обольянин» – это тот, кто выделывает шкуры.

Аметистов – тоже говорящая фамилия. Как известно, аметист является минералом, который позволяет не пьянеть. Значит, молодой администратор борделя – человек, который не пьянеет от своих успехов. При этом блистательно исполняет свои обязанности. И исчезает с радаров, как только начинает пахнуть жареным. Это становится понятно по лоскутной биографии этого мошенника.

Любой спектакль всегда метафоричен. Хотя структура постановки не такая уж сложная, чтобы глубже понять идею, надо разобраться в теме рождественского гуся. И метафора здесь достаточно глубокая. Ведь весь ночной «карнавал» дома свиданий похож на святки перед Рождеством.

Фамилия персонажа финансового директора – Гусь-Ремонтный. Как известно, гуся приносят в жертву на Рождество. Здесь в жертву приносят человека, разочаровавшегося в богатстве и в любви. А что значит вторая часть фамилии – Ремонтный? Стало быть, душа подлежит ремонту. А что есть ремонт? Реинкарнация.

Теперь рассмотрим состояние сценического пространства. Оно все время трансформируется. Вначале – это квартира богатой дамы. Здесь и кровать, и шкаф, и стойки с нарядами. Потом гостиная квартиры превращается в ателье. На стену помещается портрет Маркса, автора известного всем текста «Капитала». Ибо в пошивочной мастерской собираются работать в традициях марксизма. Ну, а затем «Зойкина квартира» трансформируется в дом свиданий. И место автора «Капитала» занимает некая «Обнаженная Маха». Голая женщина, в общем. Таким образом, здесь сливаются две параллельные реальности. Трудовые победы трансформируются в победы эротические. Дневная смена и ночная смена переплетаются.

И вот он, момент ясности. Гуся приносят в жертву. Как и полагается на Рождество. Это символическое действие означает, что жизнь борделя пришла к финалу. Ну, или жизнь старого мира, который был ужасен. Как известно, во время спектакля в уме каждого зрителя идет свое представление. То шоу, которое видит и слышит только он. Это зависит и от места в зале, и от угла зрения, и от театрального опыта, и от предварительных знаний о пьесе, и от наблюдения за любимыми актерами. И вообще, любой спектакль – это некая терапия души без фрейдовского психоанализа. Какова же мораль этой истории? Наверное, такова: все греховное имеет свой конец. И поскольку итог посещения театра – переживание новых ощущений и впечатлений, можно сказать, что премьера удалась.

Вита Пунская

Вита ПУНСКАЯ: И это всё о чём, Или либретто к спектаклю «Изергиль»

 
 

(Нижегородский театр драмы, «Изергиль», режиссёр Тимур Галеев)

«Нам остается только надеяться, что в театр придет зритель, готовый к эксперименту и неожиданному прочтению» (Режиссёр Тимур Галеев)

Тимур Галеев, показавший «Старуху Изергиль» как эскиз в рамках Режиссёрской лаборатории ГИТИСа в прошлом театральном сезоне, в начале этого представил полную версию постановки.

На сцене театра оживают любовные истории из рассказов Горького «Старуха Изергиль» и «Макар Чудра», легенды о Данко и о Ларре, а также романтические притчи «Песнь о Соколе» и «Песнь о Буревестнике». Но не стоит ждать от новой постановки точного соответствия оригиналу. Говорят, что искусство и не должно быть предсказуемо. Иначе становится скучно. А поток ярких впечатлений можно получить, посмотрев новый спектакль, представляющий собой интересный синтез пластической драмы и музыкального театра.

Всем известно, что в оригинале произведение Максима Горького называется «Старуха Изергиль». Слово «старуха», присутствовавшее в первоначальной версии (эскизе спектакля), было решено убрать. Возможно, этот выбор будет воспринят неоднозначно. Но, как ни крути, человек боится старости. Того медленного угасания, когда уже нет ни желаний, ни энергии, ни красоты. Уныние – вот грех старости. Но когда есть, что рассказать о жизни, то от уныния не остается и следа. Откровенно повествуя о своем прошлом, Изергиль как бы очищается от него. Ведь как говорят психологи? Расскажи то, что скрываешь о себе, и тогда ты освободишься от прошлого. Это как исповедь.

А что такое мистерия? Это театральное зрелище, в процессе которого человек может войти в измененное состояние сознания. Это некое таинство, к которому допускаются только посвященные. Ибо трансцендентальные идеи могут быть восприняты только в форме мистерии. Проникновение в тайну мистерии – и есть выход на новый уровень понимания.

«Образ спектакля родился из мистериальной сущности. Это большой виноградный лист, который трансформируется и создает иллюзорные миры. Важный элемент – это связь между землей и небом. Растет лоза, набирается сил». (Художник-постановщик Никита Сазонов)

В многослойной постановке особую роль играет музыка, являясь тем языком, который понятен каждому. На сцене звучат восемь оригинальных композиций, в соответствии с количеством основных персонажей. Музыкальное сопровождение представлено в разных стилях: здесь и цыганский оркестр, и рок-группа, и хоровое пение «а капелла». Композитором спектакля выступил Альфит Фархадшин, уже работавший с режиссером на других проектах.

В новой инсценировке много хореографии. Это заслуга Маши Лутошкиной. Найдены оригинальные движения для каждого действующего лица. В массовых сценах органичная пластика поражает тем, как через танец можно показать глубокие эмоциональные состояния персонажа. Исполнителям удается выразить посредством тела и гнев, и злобу, и вожделение, и гордыню, и любовную страсть. Телесные терапевты говорят, что все в этой жизни надо почувствовать телом. Ведь пока эмоция не пройдет через тело, осознать ее невозможно.

Первая часть спектакля построена на монологах главной героини Изергиль (арт. Елена Туркова). Под экспрессивные комментарии ее бурное прошлое оживает на сцене. Перед зрителем проходит череда встреч и разлук женщины, которую режиссер представил в трех лицах (юность, молодость и зрелость). Изергиль в юности исполняет изящная Алена Хакимова.

Изергиль в молодости (Мария Мельникова) – это чувственная дама, ищущая мужского внимания и одержимая жаждой новых встреч. Такова уж ее природа. И вот, богатый турок (засл. арт. России А. Хореняк) зовет ее с собой. Жизнерадостная девушка с легкостью соглашается – и в результате оказывается в гареме. Харизма актера позволяет выражать эротическое вожделение в игривой манере. Его плавные покачивания в восточном стиле – замечательная находка хореографа. Ведь он танцует рядом с молодой женщиной, практически не перемещаясь, и целует ее, практически не прикасаясь. И просто раздевает своим похотливым взглядом. Это такая сентиментальная пантомима. Чувствуется, что зрители любят этого актера. То и дело в зале раздается смех, настолько забавно он выглядит в костюме любвеобильного турка.

Изергиль в зрелости исполняет Наталья Кузнецова, играющая сумасшедшую любовь к мужчине по имени Аркадэк. Сумасшедшую потому, что она идет на преступление ради встречи с любимым. Но, как потом выясняется, она ему не особо и нужна. Это красиво обыграно в оригинальном сценическом решении их тесных объятий. Визуальная картинка поцелуя копирует картину Рене Магритта «Влюбленные», на лица и головы которых накинуты белые простыни. Эти покровы, скорее всего, символизируют чувственное отдаление и отчуждение. А может быть, подчеркивают ту мысль, что мы в реальности не знаем человека, которого любим.

Под звуки скрипки, бубна и гитары «Легенда о Ларре» продолжает ход пластической мистерии. В роли рассказчицы теперь выступает Наталья Кузнецова. Главный герой Ларра (Сергей Трофимов) – персонаж нетипичный. Это сын женщины и орла. Актер изображает гордыню резкими движениями тела. В частом передергивании плечами читается высокомерие. Зритель считывает презрение в сжатых губах и в жестоком взгляде. Через пластику актер транслирует также недовольство и злость. Страдания персонажа С. Трофимов изображает посредством креативной биомеханики движений. Невербальная выразительность артиста на высоте. Действо, похожее на аллегорическую пантомиму, сопровождается исполнением «Песни о Соколе», которая органично вплетается в старинную легенду.

«Важно было, чтобы актеры выражали через тело содержание роли. Это скорее пластика, чем хореография». (Хореограф Маша Лутошкина)

Второе действие открывает трагическая история молодых цыган Лойко и Радды. Роль рассказчицы Изергиль исполняет очаровательная актриса Мария Мельникова, погружающая зрителя в мир кочевой жизни. Лаконичное художественное решение превращает огромный виноградный лист в шатры табора. Слышны цыганские мотивы в исполнении небольшого оркестра. Тут и гитара, и скрипка, и бубен. Бодрая энергия молодости транслируется в зрительный зал.

Что мы видим на сцене? Вначале гордая Радда просто насмехается над ним, желая доминировать. Но сердцу не прикажешь. И вскоре любовь охватывает и ее. Фоном накаляющихся страстей звучит цыганская песня в исполнении Марии Мельниковой. Через откровенный танец молодой пары передается их любовное наваждение. А красный цвет одеяний лишь подчеркивает неуемную страсть…

Завершает спектакль «Легенда о Данко». В финальной части каждая сцена пропитана четким музыкальным ритмом и особым эмоциональным накалом.

Здесь нет диалогов, это сплошной экшн. Это зрелище действительно можно назвать мистерией. И разворачивается она под рок-музыку, исполняемую оркестром прямо на сцене. Как развиваются события? В зловещем сумраке покачиваются ветви. Актеры в круговом пластическом танце показывают отчаяние своих персонажей. В их глазах – страх неизвестности. Музыкальное напряжение и экзистенциальная тревога постепенно нарастают. Это немного похоже и на драматический мюзикл, и на пантомиму.

И, наконец, появляется смельчак. Молодой герой актуален и в наше турбулентное время. Актер Денис Волков в роли Данко выглядит абсолютно реалистично. В его глазах – отвага. В его телесных посылах – решимость и свобода движения. Он знает, куда идти. Персонаж транслирует уверенность в себе и выдвигается вперед. Люди как черные тени выстраиваются за ним. Вся процессия в пластическом танце ритмично движется к краю сцены, и создается такое впечатление, что они сейчас направятся прямо в зрительный зал. Но проходит время, а выхода не видно. Тьма сгущается. И племя начинает роптать и бунтовать. Героя окружают и нападают на него с рогатинами. Злоба так и пышет в движениях актеров.

И тогда Данко вырывает свое пылающее сердце… Данко покажет путь, но, выведя людей из тьмы, сам погибнет. А метафорическим сердцем, которым актер освещает дорогу, согласно режиссерскому замыслу, является гроздь винограда. Вспоминается библейская тайная вечеря и слова, с которыми Иисус обращался к своим ученикам: «Пейте… ибо сие есть Кровь Моя».

В героическом акте самопожертвования и содержится главная идея этой части спектакля. На сцене разыгрывается божественная мистерия, а значит – мировая драма. И, как говорят философы, эта драма должна разыграться в душе каждого человека. Каждый должен найти в своем сердце любовь. Но чтобы совершить подвиг, нужно вдохновение свыше.

Умершего Данко завертывают в белое полотно, похожее на плащаницу. И поднимают таким образом, что его тело практически повторяет контуры креста. Теперь Данко символизирует распятого Христа, который пожертвовал собой ради спасения грешников, томящихся в аду (по сюжету – в непроходимом лесу). Далее идет сцена, похожая на снятие с креста, отображенная на полотнах многих художников. Торжественное шествие похоронной процессии предваряет вознесение. И вот, зрители видят, как белым облаком возносится в небеса светлая душа. Это тоже один из актов христианской мистерии.

И сразу мороз по коже от грозного голоса Елены Турковой, возглашающей «Песнь о Буревестнике». Глубокое и проникновенное исполнение вызывает удивительный душевный подъем. «Пусть сильнее грянет буря!» А что такое надвигающаяся буря? Буря природная или буря в душе человеческой? Чувствуется мощный посыл, который актриса эманирует в зрительный зал: надо преодолеть свои страхи, надо стать свободным как Буревестник.

Какая нота звучит в конце спектакля? Все-таки, это нота надежды. Оригинальная мелодия молдавской песни словно вводит в трансовое состояние, раскачивая сознание зрителя. Ощущая мощную энергию, идущую со сцены, зал подхватывает ритм песни. И встречает финальный танец актеров ритмичными аплодисментами.

Конечно, каждый по-своему будет трактовать это новое прочтение произведений Горького. Но надо отметить, что для полного погружения в представленные сюжетные линии необходима некая подготовка зрителя. То есть предварительное знакомство с содержанием рассказов. И тогда мистериальная версия режиссера заиграет яркими красками.

Вита Пунская

Вита ПУНСКАЯ

Журналистка

«ЖЕНЯ + ТАНЯ = ЛЮБОВЬ»

О фестивальном спектакле минского ТЮЗа

 
 

Блажен, кто смолоду был молод…
А. С. Пушкин «Евгений Онегин»

Классику будут ставить всегда, ибо на то она и классика: неизменно актуальна. Ну, а что уж говорить про «энциклопедию русской жизни», как назвал этот блестящий роман в стихах Белинский. Правда, это было двести лет назад. Но время не стоит на месте, и современные интерпретации произведения Пушкина, как волны, -накатывают со всех сторон. И зритель идёт в театр. Он знает: сейчас модно инвестировать в новые впечатления. И делиться ими.

Режиссёр (Т. Самбук) создала такую театральную версию, в которой трудно что-либо понять, не зная содержания оригинального текста «Евгения Онегина». Ну, в программке написано «по мотивам» — значит, по мотивам. Все же смотрят фильм «Три мушкетёра», который тоже сотворён «по мотивам» романа, и не возмущаются по поводу содержания. А новый спектакль, возможно, поставлен с целью заинтересовать тех, кто с творчеством Пушкина ещё не очень знаком. Ну, или забыл основную канву произведения. И вообще — во времена клипового мышления некоторые постановки становятся похожи на череду видеоклипов.

Конечно, вряд ли можно уложить в девяносто минут все перипетии романа в стихах, тем более, что сценическое время занимают и лирические песни главных персонажей, и странное томление зайца, и эксцентричные похождения медведя. Кстати, надо отметить: музыка и сольные песни молодых людей стали одной из удач спектакля.

На каком же языке выполнена инсценировка белорусского ТЮЗа? Кто-то сказал: на языке фарса. Но особого фарса — лёгкой комедии там не усматривается. Не уходит

постановка и в абсурд, хотя лёгкая буффонада всё же присутствует. Всем понятно — оригинальный текст значительно сокращён. Может, именно поэтому всё и получилось слишком упрощённо.

Но начнем сначала. Итак, перед нами предполагаемая «деревня, где скучал Евгений». Повсюду наблюдается зелёная растительность. А как известно зелёный — это цвет возрождения. И это хорошо, поскольку главные герои юны. И зритель ждёт проявления бурных чувств. Но дождётся ли? На зелёном фоне эффектно смотрятся жёлтые цветы. А это цвет солнца, молодости и жизнелюбия. Что опять же должно характеризовать главных героев. Но персонажи выглядят какими-то угрюмыми интровертами.

«Жизнь большого и знатного света не что иное, как беспрерывная и отчаянная борьба со скукой…»— писал Шопенгауэр.

Итак, постановке даётся ори гинальное название, звучащее как детская формула, а именно: «Женя + Таня = любовь».

Но особой любви там не усматривается. Ни особой, ни вообще какой-либо. Всё слишком схематично. Постановка больше похожа на некие эскизы к произведению Пушкина.

Приехал Онегин к своему дяде «самых честных правил». Познакомился с Ленским. И вот уже они — «от делать нечего друзья» — прибыли в дом Лариных.

Всё семейство в сборе. Тут и обеденный стол, и кастрюля с супом, и гусь, и брусничная водочка. Все пытаются развлечь вновь прибывшего гостя, Евгения.

А Татьяна тем временем почему-то забирается под стол! И сидит там во время трапезы, сжавшись. Интрига!

Актёр, играющий Онегина, изображает и гордыню, и высокомерие, но как-то не очень убедительно.

И вот настает время лирической песни. Их в спектакле четыре. Первую взволнованно поёт влюблённая Татьяна. Припев там такой: «Лови меня, лови!» Эти слова явно обращены к Онегину.

Но персонаж, пребывая в хандре, призывы девушки игнорирует.

Далее по сюжету скучающий Онегин получает письмо, да не простое, а (хочется сказать золотое) в виде пергаментного свитка.

Длинного такого, почти во весь обеденный стол. Меланхолично раскатывает он этот свиток во всю длину и почему-то выборочно читает строки из него.

Несколько слов — здесь, несколько слов — там.

Для зрителя, не знакомого с содержанием письма Татьяны, это выглядит не очень связно.

Кстати, пергамент — это матери ал для письма, сделанный из кожи животных. Неспроста на сцене потом появятся и заяц, и медведь.

«Беспокойные желания рисуют перед нами химерическое счастье, которого совсем не существует, и склоняют к погоне за ним…» — писал Шопенгауэр.

Не будем пересказывать дальнейшие сцены, включая страшный сон Татьяны и мимолётную дуэль, а сделаем квантовый скачок во времени.

Так вот, чтобы перенести действо из деревни в Москву, коврики с зелёными насаждениями на глазах у зрителей медленно уносятся за кулисы. Что, понятное дело, романтичности спектаклю не придает.

А на сцене остаётся одинокий обеденный стол. Для пущего эффекта на стол громоздят стул, на который чуть позже усаживается Татьяна.

Не каждый поймёт, но так была показана её духовная высота, недостижимая для пристроившегося внизу мужа.

А потом — и для стоящего на коленях Онегина, читающего финальный монолог.

Актёр, исполняющий роль Онегина, в этом монологе транслирует плач амбиций персонажа.

С какими интонациями произносится эта речь? Эгоистического пафоса больше нет, а скользит лишь бесконечное сожаление и горечь. Жизнь героя по-прежнему пуста.

«Духовно пустой человек боится одиночества, ибо в одиночестве он видит свое внутреннее содержание…» — писал Витгенштейн.

Если рассматривать спектакль с точки зрения «А как заинтересовать юного зрителя классическим произведением?», то он вполне любопытен. Действие романа занимает около шести лет, поэтому сложно уместить все эти годы в полтора часа сценического времени.

Поэтому всё и получилось так фрагментарно. И да, спектаклю не хватило какой-то живости, хоть периодически и присутствовала интерактивная игра со зрителями.

Но, возможно, не читавший Пушкина юный зритель после просмотра задаст себе вопросы: а что такое случилось с Татьяной и почему она прячется? О чём на самом деле говорится в любовном письме? Почему Онегин флиртует с Ольгой? Откуда взялся медведь? По какой причине друзья решают стреляться? Почему Татьяна находится на «высоте» в финале спектакля?

В любом случае, спектакль — это всегда интенсивное общение с душой зрителя.

Не исключение и эта постановка. Хотя после спектакля остаётся странное послевкусие.

Что же на самом деле хотели сказать его создатели?

Может, то, что в мире клипового мышления и спектакли должны быть соответствующие?

А может, то, что влюблённость ведёт к страданию, а молодость — быстротечна?

Или то, что надо прощать ближнего своего? Ибо, как говорит Библия, если будете прощать, то прощены будете.

А может, то, что богатый человек быстро пресыщается богатством и всё ему кажется скучным? И что надо искать уже счастья не материального, а иного?

Нижний Новгород

Опубликовано в журнале "Литературные знакомства" Nº 12 - 2024 (99)