Вита.Пунская

«Хорошее дело браком не назовут»

 
 

Театральный перекресток·il 13 Dic. 2024

В театральном мире появляется тенденция немного менять название оригинального произведения или просто удалять из него отдельные слова. Так случилось и с названием драмы Льва Толстого «Живой труп», написанной более ста лет назад. В начале декабря Нижегородский драматический театр представил зрителю премьеру спектакля «Живой».

Это сценическая версия режиссера Н. Ковалевой, которая сократила оригинальный текст, но расширила сюжет пьесы, дополнив его отрывками из дневников и писем писателя. А также вывела на сцену самого автора и его жену Софью. И, стало быть, супруги присутствуют в моменте, они активно действуют, они общаются между собой, они эмоционально живут на сцене все время, пока длится спектакль. И зритель видит все взлеты и падения их брачного союза.

Есть люди, наделенные музыкальным интеллектом, есть наделенные интеллектом логическим или телесным. А Лев Толстой, без сомнения, был наделен философским интеллектом. Кстати, некоторые зарубежные специалисты считают его не писателем, а философом. Ибо воззрения гениального творца отличались парадоксальными мыслями и особой мудростью. Вспоминается его книга «Исповедь», в которой говорится: «Чтобы что-то понять, надо от многого отречься». В первую очередь, надо отказаться от телесных наслаждений. Ну, или от физических, другими словами. В общем, не попадаться в ловушки ума, который жаждет все больше и больше удовольствий.

«Хорошо жить в честном браке, но лучше никогда не женится. Редкие люди могут это. Но хорошо тому, кто может».
Лев Толстой «Путь жизни»

Постановка предлагает свежую интерпретацию пьесы и посвящает зрителя в мудрые размышления великого писателя. А главной темой можно назвать критику удушающего статуса брака. В программке к спектаклю написано так: «Перед нами трагедия честного человека, понимающего, что так больше жить нельзя, но не знающего, как и что следует изменить».

Спектакль начинается восклицанием «Чепуха!», которое произносит седовласый старец, сидящий за письменным столом. И через секунду он нервным жестом отбрасывает листы исписанной бумаги. Кто же это такой? А это сам Лев Толстой, читающий присланные ему рукописи. Критикуя многочисленных графоманов, он называет их вирши чепухой и цитирует стихотворение Тютчева «Силенциум» в качестве образца настоящей поэзии.

«Молчи, скрывайся и таи

И чувства, и мечты свои…»

Там есть и такие строки:

«Как сердцу высказать себя?

Другому как понять тебя?

Поймет ли он, чем ты живешь?

Мысль изреченная есть ложь»

Особенно подчеркивая фразу «Мысль изреченная есть ложь», писатель сообщает своей подошедшей жене, что решил написать новую драму под названием «Труп» (ознакомившись с шокирующей заметкой в прессе). К чему непосредственно и приступает на глазах у зрителей. После чего встает и объявляет: «Действие первое, картина первая».

И здесь, как говорит режиссер, завязывается драматический узел постановки. Главных героев пока нет на сцене, но все только о них и говорят. Кто же это? А это муж и жена, принадлежащие к дворянскому сословию. Федор и Лиза. И уже вначале звучит риторический вопрос: «Какая может быть свобода у женщины, связанной браком?»

Художник-постановщик Борис Шлямин оформил сцену в модной нынче минималистической стилистике, но весьма оригинально. Вход в семейный дом похож на узкие ворота, окаймленные высокими зеркальными шкафами. Над воротами возвышаются часы с огромным движущимся маятником, отсчитывающим время до печальной развязки семейного конфликта. На шкафах лежит нехитрый семейный скарб: старые чемоданы и детские игрушки. Зеркала периодически вращаются вокруг своей оси, создавая в пространстве подсвеченной сцены особую мистическую атмосферу. Как бы «крутится волчок» и завораживает своим движением. Но известно, волчок крутится, создавая иллюзию движения, а на самом деле, он застыл на одном месте. Именно таким образом застыли и мысли, и эмоции главных персонажей спектакля. Каждый из них в течение спектакля повторяет одно и то же, но в разных вариациях.

Здесь нет захватывающих монологов. Ну, если не принимать во внимание периодические вкрапления философских речей Льва Толстого. А какова же интрига? У женщины есть муж, и есть поклонник. Причем, похоже, женщина по-своему любит и мужа, и поклонника. Но все это как-то невнятно и в любовь эту, изображенную на сцене, не особо верится. Ну, а мужу скучна тоскливая семейная жизнь. И он пускается во все тяжкие. В общем, пускается в загул. И хочет расстаться с женой. Но брак-то официальный. И по тем жестким временам не может быть расторгнут.

Главного персонажа – дворянина Федора Протасова играет артист Николай Смирнов. Согласно тексту пьесы, он задыхается в липкой паутине своего брака. И не выносит лицемерия высшего света, в котором ему приходится вращаться. Его философия жизни такова: «В этой жизни есть три выбора: наживать деньги, бороться с этой пакостью, и забыться». А забыться для него – значит ежедневно туманить свой разум алкоголем. Ибо претит ему фальшь окружающих и их ненасытная жажда денег. В нем как бы пробудилась совесть. Он хочет иной жизни. Видимо, ему в мозг была вмонтирована какая-то другая программа.

Но Федор не знает, как и что надо менять. Он себя героем не считает и попросту не способен действовать, как будто внутри него стоит некий психологический блок. Персонаж Н. Смирнова узнаваем, а посему и актуален. Ведь многие и сейчас не могут решиться на какой-то важный шаг в своей жизни. Вот, например, Федор говорит своему другу Каренину: «Десять лет живу беспутно». Значит, отдает себе в этом отчет. Причем, под распахнутой рубахой у него виден христианский крест. Стало быть, перед нами человек религиозный. И как так получается, что этот честный человек постепенно опускается? Ведь пьянствует он вполне осознанно. А далее, вообще в мыслях близится к смертному греху. Ему хочется застрелиться. То есть сбежать от жизни.

Приведем еще одно высказывание этого персонажа, пребывающего в унынии: «Все, что не делаю – все не то. И мне становится стыдно за все, что я делаю». В двух словах, ему стыдно за то, что он принадлежит к своему сословию. А где стыд, там и отчаяние. А отчаяние ведет к депрессивным состояниям, которых окружающие могут и не заметить, принимая их за лень и желание бездельничать. Отметим, что у веселых цыган, к которым он бежит от своей семьи, ему почему-то тоже стыдно. Может, потому что тратит семейные деньги на кутежи. Хотя, пребывая в гостях у цыган, он будто начинает чувствовать кипящую энергию жизни. Тут и шумные пляски, и песни под гитару. Но поза актера, наблюдающего за разухабистой цыганской жизнью, передает зрителю апатию Федора. Хотя, видно, что их повседневные забавы отвлекают его от мрачных мыслей. Вот герой созерцает соблазнительный танец цыганки Маши (Мария Ватлецова). Ее пластичность и легкость движений его завораживают. А вот, широкими жестами герой радостно осыпает ее деньгами. И вроде влюбляется в изящную девушку. Но между актерами не очень-то чувствуется эмоциональное взаимодействие.

С поручением «вернуться в семью» к нему приходит Каренин (Александр Горбунов), друг детства Федора. Он одет с иголочки, похоже, порядочный человек, правильный такой, серьезный. Его чувство собственной важности просто зашкаливает. Но дело в том, что он неравнодушен к Лизе, жене Федора. Беседуя, мужчины отправляются на скачки. Федор меланхолично говорит Каренину, что не хочет мешать чужой жизни и что он лишний. Потом называет себя препятствием, которое нужно устранить. И, похоже, пребывает в полном смятении, в состоянии острого внутреннего конфликта. А может быть, это можно назвать и депрессивным синдромом. Но друг реагирует не очень ярко, хотя и пытается разрядить ситуацию.

В постановке должна быть проблема, которая будет решаться. Какова проблема Федора? Непонимание как себя вести в этом мире? Стыд? А ведь стыд заставляет утаивать свои страхи. Депрессия? Но это уже болезнь. Неспроста он практически изолирует себя от внешнего мира. Фрустрация? В одной из сцен он уничижительно называет себя «негодяем». А его отложенное намерение звучит так: «Я мешаю, значит, я должен уничтожиться». И вот, он стоит с пистолетом в руках. По мере того, как мрачнеют его мысли, свет в зале тоже начинает тускнеть. Зритель наблюдает томление героя, его мучительные раздумья и погружение в темные бездны своей души. Вот он подносит пистолет к виску, но через несколько секунд убирает. Потом подносит его к шее, но тоже не решается нажать курок. Потом вытягивая руку вперед, он как бы ищет внешнюю цель.

Как сказал мудрец, чтобы понять конкретного человека, надо понять его тайную религию. То есть понять, во что он по-настоящему верит. Во что верит Федор? Это неясно. Поэтому, как говорил сам Толстой, примером для подражания он не является. Он просто по-своему бунтует против существующего порядка. Он несчастлив в браке, и он несчастлив в социуме. На лице персонажа читается безнадежность. А может, даже обреченность.

Жену главного героя Лизу играет актриса Марина Львова. Она появляется на сцене в белой блузке и серой юбке в пол, такая приличная барышня. Но какая-то несчастная, словно размагниченная. И немного истеричная. Она вроде бы и любит Федю, но не ценит его как человека. И даже хочет от него освободиться. И выйти замуж за его друга Каренина. В общем, терзается сомнениями. Но судьба есть судьба. Когда ее желание исполняется, прошлое зловеще возвращается из небытия.

Сцены спектакля построены нелинейно. Между основными действиями пьесы, на сцене появляется Лев Толстой для объявления очередной картины. И каждый раз высказывает свои мысли вслух. Вот некоторые цитаты: «Искусство до такой степени извратилось. Все хотят эффекта. А в эффекте нет чувства. Искусство стало чрезвычайно грубым». «Соединить материальное и духовное, только одно это и надо».

Появление матери Лизы на сцене немного меняет ауру спектакля. Анна Павловна – дама нервозная. В этой роли выступает засл. арт. Тамара Кириллова. Ее персонаж говорит в агрессивной манере, что свидетельствует о ее неуемном желании манипулировать окружающими. А где манипуляции – там внутренний страх, что не будет возможности контролировать ситуацию. Актриса играет очень эмоционально. С недовольным видом она выступает против Федора, не хочет, чтобы ее дочь оставалась с ним. Но вторгаться в жизнь даже близкого человека – это чистой воды эгоизм. Мамаша жестко отстаивает свое мнение, повышая голос. И не терпит возражений, желая всех подогнать под свою мерку. Ее лицо порой застывает как гипсовая маска. Актриса бросает свирепые взгляды, говорит раздраженным голосом, грубит близким, в общем, токсичность поведения персонажа налицо.

Хочется пропеть дифирамбы актерской работе заслуженного артиста Сергея Блохина. Он верит в силу личности великого писателя и работает очень профессионально. «Для меня как актера это был новый шаг в профессии» (С. Блохин). Ему действительно удалось воплотить на сцене глубину личности Льва Толстого. Интенсивность бытия его персонажа зашкаливает. А разнообразная жестикуляция, соответствующая моменту, потрясает. Ведь театральный язык – это чистой воды телесность. Практически каждое высказывание актер предваряет или сопровождает красноречивым языком жестов.

Когда он появляется на сцене, то практически заполняет своим мощным голосом все пространство, стягивая на себя внимание зрительного зала. И чувствуется в нем предельная напряженность всех чувств. Актер погружает зрительный зал в вербальный мир великого гения. Произнося мудрые афоризмы Толстого, Сергей Блохин сознательно делает паузы для того, чтобы публика переварила сказанное. А вообще, его персонаж живет в постоянном вихре новых идей и во всем происходящем словно ищет особый смысл. По замыслу режиссера, он даже задает вопросы некоторым персонажам своей пьесы, беседуя с ними перед зрительным залом. Более того, вместе с двумя персонажами они «соображают на троих».

Софью Андреевну исполняет засл. арт. РФ Раида Божко. Актрисе удалось наполнить эту роль своей неповторимой индивидуальностью. И она интенсивно проживает сценическую жизнь супруги Толстого. Героиня любит его, радостно улыбается ему, неустанно поддерживает его, молится за него, приободряет его. Подолгу сидит за его столом и старательно переписывает его тексты. Софья гордится своим мужем. Она знает, что он – гений. А с гением всегда трудно. Но, как говорит режиссер, ближе к концу жизни у супругов были уже «разные смысловые ситуации».

«Не было игры в нашей жизни. Моя жена идеальна была, но не было в ней изюминки».

Лев Толстой (цитата из спектакля)

Спутница писателя предстает перед зрителями дамой элегантной, утонченной и приятной в общении. Ее внутренние переживания актриса передает ласковыми взглядами, нежными интонациями, трогательными прикосновениями. В то время как ее муж то безудержно философствует вслух; то, переживая кризисы, обижает ее; то крепко обнимает, отдавая себе отчет в ее привязанности к нему. А забавные догонялки с щекотками и веселым смехом добавляют перца в удивительную смесь их непростых отношений.

На излете брака он скажет: «Я хочу свободы. Я сделал эту ошибку – я женился» (Лев Толстой, цитата из спектакля). Теперь брак для него – это каторга. Но как бы там ни было, вместе прожито почти пятьдесят лет и в семье воспитано тринадцать детей. Не так-то легко разорвать эту связь. Но гениальный автор уже давно тяготится семейной жизнью. И Софья начинает тревожиться. Она не хочет, чтобы он покидал ее. К сожалению, кричащая мелодрама их отношений нарастает. И, наконец, уставший писатель обращается к жене: «Сонь, отпусти меня. Я растворюсь в людском пространстве и стану одним из малых сих» (Лев Толстой, цитата из спектакля).

Гипнотическое удовольствие доставляет игра заслуженного артиста Александра Сучкова. Его персонаж – следователь – появляется словно из преисподней. Ну, если сказать точнее – из люка под сценой. Причем из этого люка идет дым коромыслом. Видать, там деется что-то нехорошее. Вылезает он так гротескно на свет божий и хмуро бормочет: «Грязное дело». И твердит эту фразу многократно и на все лады. Актер своей талантливой игрой как будто создает отдельное шоу в спектакле. Его способ существования на сцене режиссер обозначила словом «инфернальный». Есть в движениях этого персонажа некая безумная одержимость. Он то ходит крадучись, то бегает по сцене, то ведет диалог в хаотичном движении, то картинно усаживается на стул и замирает, то вытягивает шею как фламинго на взлете, то, склонившись к Лизе с демонической ухмылкой, выставляет пальцы веером. И каким-то замогильным голосом повторяет свои вопросы. После чего зловеще повторяет ответы Лизы. И как бы записывает. Слов немного, но эмоциональных оттенков и тональных переходов в его речевых реакциях немерено. Создается такое впечатление, что он как паук плетет некую невидимую паутину, в которую хочет поймать жертву.

Без сомнения, чтобы понять смысл конкретной пьесы, необходимо реконструировать культурный контекст тех времен. А расторжение брака тогда было практически запрещено.

Режиссер говорит:
«Читая дневники Льва Толстого и его жены, их друзей и детей, я поняла, что он все время искал путь освобождения. Он искал ту гармонию, которую мы ищем и никак не можем достигнуть». Что же это за освобождение? От чего?

У знаменитого философа Кришнамурти есть трактат под названием «Свобода от известного». Он там пишет, что пора уже освободить людей от всех догм. По его мнению, мир давно утопает в миазмах ложных ценностей. А наша память постоянно отзывается на события в форме привычных симпатий или антипатий. И это работает всегда одинаково: стимул – реакция. В этой жизни мы слишком цепляемся за привычные эмоции. То есть мы цепляемся за известное, которое и называем своей жизнью. И всегда боимся неизвестного.

«Чтобы хорошо жить в этом мире, надо понимать его нереальность»

Лев Толстой, цитата из спектакля.

Что значит нереальность? Восточные учения подчеркивают, что наш мир иллюзорен и что наши негативные мысли о ком-либо – это абстрактная фикция. Другой человек охарактеризует его же совсем иначе. А третий вообще вознесет на небеса. Наша психика заставляет нас вести себя определенным образом, будто внутри стоит какая-то программа. И тут можно лишь повторить слова философа: «Мы понимаем других людей только в той степени, в которой мы сами пережили подобный опыт».

Что еще можно сказать о главном персонаже? Он пребывает в тех нездоровых состояниях ума, которые называются отвращение и заблуждение. Отвращение Федор проявляет к дворянскому свету. А его заблуждение состоит в том, что из семьи и из жизни можно просто сбежать. Да, он интуитивно чувствует, что все вокруг него ложно и тоскливо – слова, идеи, ощущения. Но никаких личных усилий для изменения своей ситуации в лучшую сторону он не проявляет. Он – в тупике, а посему свободу ищет в алкоголе.

В чем же состоит философия этого спектакля? В действительности, человек живой характеризуется свободной волей и свободным сознанием. А «живой труп» уже не свободен. У него нет ни выбора, ни возможности действовать. Иначе он бы не был трупом. У «живого трупа» произошла блокировка воли, а посему судьбу его не изменить. Невозможность действовать физически в физическом мире – это уже болезнь. Воля персонажа обнулилась и все что ему остается – это внутренняя ретроспекция. Попытки героя спрятаться от фальши света (читай фальши мира) можно было бы назвать избеганием жизни. А его уход из семьи, ибо у жены есть другой, это тоже не геройский поступок, а свидетельствует скорей о слабости. Но он не пребывает в тотальном заблуждении. Фрагменты истины в его размышлениях внимательный зритель все-таки услышит.

В конце спектакля его выбор однозначен. Он делает волевое усилие и приносит себя в жертву. Уходит из чуждого для него мира. Как сказал известный философ Ю. Такер: «Смерть фактически оказывается «зовом совести», заботой и поиском подлинности».

Под занавес в драме Толстого раздается выстрел. Но, согласно режиссерскому решению, на сцене этот выстрел не звучит. Федор как бы уходит в никуда. И что там скрыто в его подсознании, нам неведомо. А может, ключевой смысл новой вариации в том, что режиссер предоставляет зрителям свободу конечной интерпретации: кто здесь – живой, а кто здесь – труп. Ибо делать в этой жизни можно только что-то с собой, отвечая за собственный выбор. И помнить, что жизнь – это высшая ценность.

Текст: Вита Пунская

Фото: Валерия Авдеева

«И корабль плывет…»

 
 

Театральный перекресток·il 28 Ott. 2024

О спектакле «Вдовий пароход»

«Надо любить жизнь больше, чем смысл жизни»

Ф. Достоевский

В октябре Нижегородский театр драмы им. Горького представил премьеру спектакля «Вдовий пароход» по одноименной повести И. Грековой. Причем, надо отметить, что в свое время эта повесть ждала публикации более десяти лет. И позже была переработана в многогранную пьесу в соавторстве с П. Лунгиным.

Не все знают, что настоящее имя автора текста – Елена Вентцель. И была она профессиональным математиком, а именно, специалистом по теории вероятностей. И выбрала себе литературный псевдоним от названия буквы «игрек», что символизирует побуждение к мудрости и духовному просветлению. Кстати, поколение Миллениума также называют поколением «игрек». Наверно, это неспроста. А может быть, подразумевалось, что игрек – неизвестная величина, и нашим миром правят таинственные математические законы? Кстати, многие философы так думают.

Итак, режиссер Николай Дручек пригласил зрителей в особое эмоциональное путешествие под названием: «Маршрут с остановками в двух действиях». Но, на самом деле, этот маршрут – путешествие внутреннее. И как любому путешествию ему присуща повышенная эмоциональность. Именно по этому маршруту зрители пройдут вместе с героинями, наблюдая за их радостями и горестями, склоками и застольями, страданиями и надеждами.

Режиссер говорит: «Мне было важно поразмышлять о том, что такое память, какова ее природа, что она в нас пробуждает, как откликается послевоенное время».

Итак, перейдем к отправной точке маршрута. На дворе – послевоенные годы. Обычный жилой дом. В одной из коммуналок готовятся к поминкам. Что видит зритель? Сдвинутые столы, нехитрая посуда, старый абажур. В общей коммунальной кухне собрались четыре женщины и молодой человек. Это его мать Анфиса покинула сей мир. И одна из тем постановки – трансформация его души в свете внешних событий и внутренних переживаний. Голубым фоном печального собрания идут двери, параллельно расположенные в пространстве сцены, словно безликие каюты на корабле. А стен тут и в помине нет. Стены между комнатами – воображаемые.

Вяло течет застольный разговор о почившей. А дальше время виртуально отматывается на много лет назад. И для зрителя оживают военные годы так, как они проходили в тылу, как они проходили в типичной коммуналке. Раскручивается давняя история, вложенная в историю текущую. И в следующей сцене мы видим на пороге новопреставленную такой, какой она вернулась с фронта через два года после начала войны. Причем, ключевая информация заключается в том, что вернулась она беременной. И это при живом муже, с которым на фронте так и не встретилась. Новое обстоятельство является волнующим событием для всех действующих лиц. И вот, для сына Анфисы разыгрывается в лицах жизнь его матери и других обитательниц квартиры. Вместе со зрителем Вадим видит те события, которые случились в этой коммуналке много лет назад.

В современной драматургии давно появилась тенденция использовать инвертированный порядок времени. И эта постановка – не исключение. Зритель с интересом наблюдает за взаимопроникновением прошлого и настоящего. И пристально внимает экспрессивным речам обитательниц «Вдовьего парохода», плывущего «по волнам житейских морей».

Итак, ежедневное общение между женщинами – это и есть истинное лицо спектакля. Мы видим яркую палитру разных характеров, созданных актрисами театра. Совсем непросты взаимодействия героинь, каждая из которых потеряла близкого человека. И, можно сказать, что все они живут в некоем коммунальном «чистилище». Иногда это чистилище напоминает ад. Ибо то здесь, то там вспыхивают местные очаги токсичных отношений. Всем известно утверждение философа-экзистенциалиста Сартра: «Ад – это другие». Так оно и есть. Ведь каждая героиня в определенные моменты является источником страданий для какой-то другой пассажирки «парохода».

Сценическое пространство этого грустного перфоманса вращается. Поэтому зритель видит немудреный быт женщин с разных ракурсов. Привлекает внимание длинная веревка, подвешенная к потолку и раскачивающаяся каждый раз, когда происходит вращение сцены. Что это значит? Может быть, «отдать швартовы»? То есть, снова отчаливаем. Как бы в следующий акт, в новый поворот событий. Возможно, режиссер постановки формирует послание, которое уже выразил словами Шопенгауэр: «Содержание нашей жизни подобно рисункам в калейдоскопе, где мы при каждом повороте видим что-нибудь другое, хотя все время имеем перед глазами одно и то же».

Итак, главная героиня пьесы – Анфиса. До войны она жила с мужем в одной из комнат этой коммуналки, потом вслед за мужем ушла на фронт. А вернувшись, родила сына. Но не от мужа. И воспитывала его одна, вкладывая в него все силы. Постараемся не перегружать текст подробностями их жизни. И вообще, формат театра не позволяет показать всю историю отношений центральной героини и ее сына. Скажем только, что сын вырос беспросветным эгоистом.

«Там, где есть грех в мире, есть уже и нечто, похожее на ад»

Шопенгауэр

Весьма удачной актерской работой можно считать роль Ады в исполнении Светланы Кабайло. Она играет бывшую певицу. Анализируя работу актрисы, понимаешь, что прелестная Ада, в некотором смысле, является комическим персонажем. Ибо ее присутствие «на пароходе» придает спектаклю иронический оттенок. Эта женщина со сложной прической и забавными манерами одета элегантно. Следует отметить, что говорит она красивым голосом и галантно, и напевно. Видимо, свои навыки выступать на сцене дама перенесла на кухню коммуналки. Но она слегка картавит. Поэтому, например, слово «радость» в одной из ее тирад звучит как «гадость». И зал смеется.

«Для познания собственных ошибок очень подходящим средством служит их наблюдение и порицание в других. Для нашего исправления мы нуждаемся в зеркале»

Шопенгауэр

Непростой мир женской души исследовала Анна Сучкова, исполняющая роль Ольги Флеровой. В спокойной внешне героине сразу чувствуется внутренняя напряжённость. После бомбежки она стала инвалидом, и теперь ходит с палочкой. А по квартире перемещается в деловом пиджаке, длинной юбке и туфлях. Импульсивная соседка Капа называет ее «психованной вдовой, вроде интеллигентки», добавляя с возмущением, что она еще и «радиоточку слушает у себя в комнате».

Свои мучительные воспоминания Флерова излагает монотонным голосом. Ее длинные монологи о себе – сам концентрат событий. Но звучат они слишком безжизненно. Скорее всего, героиню гложет непереваренная вина. Ведь, наверно, у нее была возможность спасти ближних. Но она этого не сделала. И теперь ее саму спасают только музыкальные занятия с детишками. А мелодия ее внутренней жизни вертится по кругу горьких воспоминаний.

«Всякий усматривает в другом лишь то, что содержится и в нем самом»

Шопенгауэр

Интересна и роль Паньки в исполнении Марии Мельниковой. Она играет женщину рабочей профессии. Пронзительный голос характеризует ее героиню как дамочку неуравновешенную и истеричную. В пестрой рубахе и черном комбинезоне Панька носится по сцене, пребывая в суетной деятельности. Привлекают внимание ее размашистые и угловатые движения, отрывистая речь и забавные гримасы. Ну, а в спорах с соседками она бросается в крайности и напориста до безумия. Ее повторяющийся трюк: излить на них мешанину из слов, вводя в состояние полной растерянности. Может, ей недостает в жизни сильных ощущений? И эта потребность заставляет ее заводить нелепые разговоры, грубо выражая свое недовольство. Хотя, казалось бы, кому как не ей быть довольной, ведь у нее единственной живет мужчина, пусть бессловесный и «непрописанный» (Иван Бычков). А может, ее резкость – это просто защитная реакция? Но надо отметить, что Панька в своих речах постоянно ратует за справедливость.

«Всякий усматривает в другом лишь то, что содержится и в нем самом»
Шопенгауэр

Алена Глазырина выступила в роли своенравной сторожихи Капы. Мы видим актрису в старушечьей кофте, бесформенной юбке и с косынкой на голове. Алена, известная своей блестящей актерской техникой, создала образ грубоватой, но заботливой бабы. Капа говорит саркастическим голосом, частенько вымещая злобу на других. И, возможно, она смотрит на жизнь через призму своей обиды на судьбу. Ее персонаж, за неимением личной жизни, любит сплетни и кухонный треп. Парадокс заключается в том, что именно из ее уст мы слышим: «Бога помню. Воздастся вам по делам вашим». А порой кажется, что несмотря на свою религиозность, она является пассивным манипулятором, постоянно обвиняя «ближних» своих в разных промахах. Но сопереживания беременной Анфисе открывают для зрителя новую грань характера Капы.

Надо отметить, что хоть и живут эти женщины в одном пространстве, каждая живет в своем туннеле реальности. Фиксация Анфисы на сыне похожа на обращение собственной вины в навязчивую любовь. Флерова умна, но апатична и зациклена на своем прошлом. Ада витает в облаках. Унылая жизнь Капы ведет к бытовым склокам. А нестабильная Панька не знает, куда излить свою бурную энергию.

Актер Валентин Ометов выступил в роли Федора, мужа Анфисы, вернувшегося домой после войны. «Каждая эмоция человека имеет свое вокальное выражение», – писал один ученый. Но в случае Федора – нет никаких возгласов. Он передает ощущения своего персонажа посредством отчаянного молчания. Так он воспринимает измену жены. Застывший взгляд, замедленные движения, тяжелые вздохи. То, что он прощает жену, придает истории трагизма. Но, конечно, прежней жизни у супругов быть уже не может. Страдающий мужчина предпринимает попытки сблизиться с другой обитательницей коммуналки. Но тщетно. И вот, наступает поворотный момент истории. Федор просто «уходит в никуда».

Любопытен фрагмент спектакля с участием прибывшего к боевой подруге замполита (С. Кабайло). Увидев его, все женщины расцветают. Ведь они, наконец, могут получить желаемое внимание мужчины. И каждая старается обаять его, каждая жаждет ему понравиться. Дамам хочется разомкнуть, наконец, замкнутое пространство своего «парохода». Но он приехал к Анфисе. А желание замполита удобно пристроиться рядом с ней обречено на неудачу.

В роли Вадима (сын Анфисы) выступил Николай Смирнов. Его персонаж во время поминок выглядит безучастным и отстраненным. В репликах актера слышны интонации озлобленного подростка. И если вначале Вадим осуждает мать за излишнюю опеку и желание все решать за него, то в конце льнет к ней, умирающей, захлебываясь в заботах. И вот он, драматический момент ясности. Отчаяние потерять близкого человека меняет его психическое состояние. Этот неистовый уход за умирающей матерью является для него искуплением. Похоже, он начинает видеть прошлое по-другому, понимая, что раньше жил в своих подростковых иллюзиях.

Синтезируя вышесказанное, можно сказать, что одной из основных характеристик спектакля является его повышенная экспрессивность. А что касается обработки информационного потока, льющегося со сцены, то вначале она немного затруднительна. Ибо ностальгические воспоминания персонажей перемежаются с реальностью. И разобраться во временных скачках удается не сразу.

Спектакль начинается поминками по главной героине, а заканчивается ее смертью. То есть жизнь пассажиров «парохода» закольцована рамками смерти. Тема смерти красной нитью проходит через весь спектакль. Так же, как и тема войны. А маршрут коммунального «парохода», с одной стороны, вроде бы понятен, а с другой – непредсказуем. Впрочем, как и все наши маршруты и планы.

Как известно, особые смысловые оттенки любому спектаклю придает музыка. Без сомнения, песни военных лет в данной постановке усиливают эмоциональное воздействие на зрителей. Причем, каждая мелодия логически сопровождает действие, связывая прошлое героинь с их сегодняшним днем. В любом случае, «музыкальные» остановки в пути – это просто возможность для зрителя разложить по полочкам свои ощущения и впечатления от увиденного. И порой эти впечатления не так приятны, ибо коммуникация между дамами часто вибрирует на грани фола.

Конечно, в спектакле есть и точки соприкосновения с нашим временем. Что это за темы? Это и тема личного выбора в трудных обстоятельствах. Это и тема токсичных отношений. Это и тема судьбы, которая каждого испытывает на прочность.

Без сомнения, спектакль вызывает некий катарсис и безмолвие. И, выходя из зрительного зала, мы уже немного не те, чем были до этого. А может быть, в поведении некоторых персонажей мы узнаем или себя, или своих близких. И хочется повторить слова из песни А. Барыкина:
«Что это было? Неужто было жизнью нашей?»

Текст: Вита Пунская

Фото: Валерия Авдеева

«Блажен, кто смолоду был молод…»

 
 

Театральный перекресток·il 25 Set. 2024

О фестивальном спектакле минского ТЮЗа «Женя + Таня = Любовь»

Классику будут ставить всегда, ибо на то она и классика, что неизменно актуальна. Ну, а что уж говорить про «энциклопедию русской жизни», как назвал этот блестящий роман в стихах Белинский. Правда, это было двести лет назад. Но время не стоит на месте и современные интерпретации произведения Пушкина как волны накатывают со всех сторон. И зритель идет в театр. Он знает, что сейчас модно инвестировать в новые впечатления. И делиться ими.

Режиссер (Т. Самбук) создала такую театральную версию, в которой трудно что-либо понять, не зная содержания оригинального текста «Евгений Онегин». Ну, в программке написано по мотивам, значит, по мотивам. Все же смотрят фильм «Три мушкетера», который тоже сотворен по мотивам романа, и не возмущаются по поводу содержания. А новый спектакль, возможно, поставлен с целью заинтересовать тех, кто с творчеством Пушкина еще не очень знаком. Ну, или забыл основную канву произведения. И вообще, во времена клипового мышления некоторые постановки становятся похожи на череду видеоклипов.

Конечно, вряд ли можно уложить в девяносто минут все перипетии романа в стихах, тем более что сценическое время занимают и лирические песни главных персонажей, и странное томление зайца и эксцентричные похождения медведя. Кстати, надо отметить, что музыка и сольные песни молодых людей стали одной из удач спектакля.

На каком же языке выполнена инсценировка белорусского ТЮЗа? Кто-то сказал, что на языке фарса. Но особого фарса, то есть легкой комедии, там не усматривается. Не уходит постановка и в абсурд, хотя легкая буффонада все же присутствует. Всем понятно, что оригинальный текст значительно сокращен. Может, именно поэтому все и получилось слишком упрощенно.

Но, начнем сначала. Итак, перед нами предполагаемая «деревня, где скучал Евгений». Повсюду наблюдается зеленая растительность. А, как известно, зеленый – это цвет возрождения. И это хорошо, поскольку главные герои юны. И зритель ждет проявления бурных чувств. Но дождется ли? На зеленом фоне эффектно смотрятся желтые цветы. А это цвет солнца, молодости и жизнелюбия. Что, в общем, опять же должно характеризовать главных героев. Но персонажи выглядят какими-то угрюмыми интровертами.

«Жизнь большого и знатного света не что иное, как беспрерывная и отчаянная борьба со скукой» (Шопенгауэр)

Итак, постановке дается оригинальное название, звучащее как детская формула, а именно: «Женя + Таня = любовь». Но особой любви там не усматривается. Ни особой, ни вообще никакой. Все слишком схематично. Постановка больше похожа на некие эскизы к произведению Пушкина. Приехал Онегин к своему дяде «самых честных правил». Познакомился с Ленским. И вот уже они – «от делать нечего друзья» – прибыли в дом Лариных. Все семейство в сборе. Тут и обеденный стол, и кастрюля с супом, и гусь, и брусничная водичка. Все пытаются развлечь вновь прибывшего гостя, то есть Евгения. А Татьяна тем временем почему-то забирается под стол! И сидит там, сжавшись, во время трапезы. Интрига!

Актер, играющий Онегина, изображает и гордыню, и высокомерие, но как-то не очень убедительно. И вот, настает время момент лирической песни. Вообще, их в спектакле четыре. Первую взволнованно поет влюбленная Татьяна. Припев там такой: «Лови меня, лови!» Эти слова явно обращены к Онегину. Но персонаж, пребывая в своей хандре, призывы девушки игнорирует.

Далее по сюжету скучающий Онегин получает письмо, да не простое, а (хочется сказать золотое) в виде египетского пергамента. Длинного такого пергамента, почти во весь обеденный стол. Меланхолично раскатывает он этот свиток во всю длину и почему-то выборочно читает строки из него. Несколько слов здесь, несколько слов там. Для зрителя, незнакомого с содержанием письма Татьяны, это выглядит не очень связно. Кстати, пергамент – это материал для письма, сделанный из кожи животных. Неспроста на сцене потом появятся и заяц, и медведь.

«Беспокойные желания рисуют перед нами химерическое счастье, которого совсем не существует, и склоняют к погоне за ним» (Шопенгауэр)

Не будем пересказывать дальнейшие сцены, включая страшный сон Татьяны и мимолетную дуэль, а сделаем квантовый скачок во времени. Так вот, чтобы перенести действо из деревни в Москву, коврики с зелеными насаждениями на глазах у зрителей медленно уносятся за кулисы. Что, понятное дело, романтичности спектаклю не придает. А на сцене остается одинокий обеденный стол. Для пущего эффекта на стол громоздят стул, на который чуть позже усаживается Татьяна. Не каждый поймет, но так была показана ее духовная высота, недостижимая для пристроившегося внизу мужа. А потом, и для стоящего на коленях Онегина, читающего финальный монолог.

Актер, исполняющий роль Онегина, в этом монологе транслирует плач амбиций персонажа. С какими интонациями произносится эта речь? Эгоистического пафоса больше нет, а скользит лишь бесконечное сожаление и горечь. Жизнь героя по-прежнему пуста.

«Духовно пустой человек боится одиночества, ибо в одиночестве он видит свое внутреннее содержание» (Витгенштейн)

Если рассматривать спектакль с точки зрения «А как заинтересовать юного зрителя классическим произведением?», то он вполне любопытен. Действие романа занимает около шести лет, поэтому сложно уместить все эти годы в полтора часа сценического времени. Поэтому все и получилось так фрагментарно. И да, спектаклю не хватило какой-то живости, хоть периодически и присутствовала интерактивная игра со зрителями.

Но возможно, не читавший Пушкина юный зритель после просмотра задаст себе вопросы: а что такое случилось с Татьяной и почему она прячется? О чем на самом деле говорится в любовном письме? Почему Онегин флиртует с Ольгой? Откуда взялся медведь? По какой причине друзья решают стреляться? Почему Татьяна находится на такой высоте в финале спектакля?

В любом случае, спектакль – это всегда интенсивное общение с душой зрителя. Не является исключением и данная постановка. Хотя после спектакля остается странное послевкусие. Что же, на самом деле хотели сказать его создатели? Может то, что в мире клипового мышления и спектакли должны быть соответствующие? А может то, что влюбленность ведет к страданию, а молодость быстротечна? Или то, что надо прощать ближнего своего? Ибо, как говорит Библия, если будете прощать, то и вы прощены будете. А может то, что богатый человек быстро пресыщается богатством и все ему кажется скучным? И что надо искать уже счастья не материального, а иного?

Текст: Вита Пунская

Фото: Валерия Авдеева

Видео: Катерина Золина

Инфернальная игра

 
 

Театральный перекресток·il 22 Set. 2024

О фестивальном спектакле «Пиковая дама»

В Нижегородском драмтеатре спектаклем «Пиковая дама» открылся фестиваль русских зарубежных театров. Театральная фантазия по повести А.С. Пушкина была поставлена в Казани еще двадцать пять лет назад в знаменитом Качаловском театре. И имела ошеломительный успех, прокатившись с аншлагами по разным странам мира.

В начале спектакля сразу обращает на себя внимание остроритмичная режиссура народного артиста России и Татарстана А. Я. Славутского. Ведь удерживает внимание именно человека то, что меняется. А здесь постоянно меняется все. С самого начала зритель погружается в атмосферу тайн, маскарада и танцевальных пируэтов. И чувствуется, как постоянно идет живой обмен энергией между залом и сценой.

Вначале зритель сосредотачивает внимание на высоких стеклянных дверях, фигурными рядами которых заполнено сценическое пространство. Как известно, дверь – это символ. Это некие врата, ведущие в параллельные миры. В спектакле они скорей похожи на магическую завесу, которая то поднимается, то опускается, каждый раз перенося зрителя в иную реальность.

Итак, поднимаются вверх прозрачные панели, подсвеченные голубым светом. На сцене появляются дамы и господа в причудливых масках и вечерних туалетах. Льется завораживающая музыка Пьяццолы, которая очень украшает действо. Открывающий мистическую историю танец медленно, но верно вводит зрителя в легкий транс. Это часто повторяющееся танго в спектакле станет метафорой бегущего времени, перемежая основные сцены.

Пойдем в игру, где символы царят,

Что смыслы плавят, чудеса творят,

И увлекая в тайный лабиринт,

Вуаль с ума срывая, жгут импринт...

Вита Пунская

Из глубины сцены торжественно выкатывается карточный стол. Словно лазерный луч тема постановки концентрируется на игре. Здесь играют все. Элегантные офицеры играют в карты, престарелая графиня виртуозно играет на нервах своей воспитанницы, странные приживалки подыгрывают хозяйке дома, горничные играют в покорность, лакеи играют в смирение. Ну, а главный герой с пистолетом в руках играет со смертью.

С карточной игры начинается фееричный карнавал событий, ей и заканчивается. Финал всем известен – игра, которая ведется обманом, сводит с ума.

Итак, начинается азартная игра и каждый по-своему интерпретирует загадочные сигналы, идущие со сцены. В чем же катализатор этой игры? Это, как говорят сегодня, «сториз». Истории быстрого обогащения всегда будоражат внимание. Главный персонаж, услышав подобную историю, особую роль в которой сыграл известный маг Сен-Жермен, оказывается во власти наваждения. Какова же тайна трех карт? С этого момента эгоистическая жажда наживы направляет все поведение Германа и ведет к краху.

Инфернальная игра,

Словно мир она стара,

Прекратить ее пора.

Суть игры: «Скоплю добра…»

Вита Пунская

Спектакль постепенно начинает мерцать своей игровой потенцией. Стеклянные панели, подсвеченные сине-голубым светом, поднимаются, и прямо на зрителя медленно и зловеще выкатывается кресло-каталка с графиней. Может, это и есть та самая «недоброжелательность», или сама судьба.

Сразу обращает на себя внимание игра талантливой актрисы (н.а. России и Татарстана Светлана Романова), исполняющей роль графини Томской. Ее харизма просто зашкаливает, а экспрессивная мимика безудержно веселит зрителей: и периодически выпученные глаза, и жуткие гримасы, и нелепые ужимки, и саркастический смех. Нельзя не сказать и о забавной жестикуляции актрисы, сопровождающей каждую ее реплику. А вариации ее богатых интонаций, с которыми она произносит имя своей воспитанницы, поражают. В произнесенном на разные лады призыве «Л-и-и-и-за!» слышатся нотки старческой беспомощности, брюзжащего недовольства, нервного раздражения, едкого негодования, наигранной досады и бескомпромиссной требовательности.

Лиза (з.а. республики Татарстан Алена Козлова), несмотря на откровенные манипуляции хозяйки дома, тем не менее, молча исполняет ее прихоти. Такова уж доля воспитаницы – терпеть энергетический вампиризм пожилой графини. Актриса играет девушку милую, покорную и доброжелательную, всем своим видом желающую услужить. Но, как известно, наружность обманчива. В глубине души девушка страдает. И монолог актрисы о том, что значит быть воспитанницей капризной старухи, увлекает зрителя.

Актер Павел Лазарев, выступающий в роли Германа, идеально перевоплощается в своего персонажа: резкие угловатые движения, холодность в общении, быстрые нервные взгляды, горящие безумным желанием глаза. Что заставляет героя действовать? Конечно, желание получить легкие деньги. Им овладевает маниакальная идея: «Что если графиня мне откроет эти три карты? Почему бы не попробовать своего счастья?» Для него счастье – это деньги.

Жизнь – спектакль, вы только посмотрите,

Как мудра игра, как жалок зритель,

Разрешив вовлечь себя в игру,

Слезы льет на праздничном пиру.

Вита Пунская

Герман использует Лизу для воплощения своего коварного плана и проникает в апартаменты графини. Он впадает в ярость, когда та не хочет открыть свою тайну. Светлана Романова прекрасно изображает оцепенение графини. Ее героиня ошарашена, предчувствуя что-то непоправимое. Много раз графиня испуганно повторяет ему: «Это была шутка». Но герой уже на грани. Он чувствует, что из рук уплывает тайна, а значит, и несметное богатство. Нервное состояние персонажа Германа зашкаливает. И, возможно, не ведая, что творит, он импульсивно берет в руки пистолет, как последний аргумент. И он действительно становиться последним. Графиня умирает от испуга. Герман без тени сострадания сообщает об этом воспитаннице. Что здесь удивляет? Возможно, восприятие смерти близкого человека. Уже через минуту после получения известия Лиза транслирует ему свои страдания воспитанницы.

Мощной сценой спектакля является многолюдный ритуал прощания с графиней, лежащей на смертном одре. Игра ее жизни закончена. Протоирей торжественно восклицает библейские истины: «Вот так проходит слава мирская!», «Как быстротечно время!», «Душа бессмертна!».

Шоу будет длиться бесконечно.

Балом правит мудрый Режиссер.

Помните, что эта пьеса вечна.

Вы здесь – наблюдатель. Не актер.

Вита Пунская

Без сомнения, впечатляет и блестящая сцена спектакля, транслирующая сон Германа: старуха встает со смертного ложа вся в белом, а вокруг продолжается бал-маскарад. Что же, получается, что смерть – это тоже игра? И вот, провидению угодно, чтобы графиня во сне сообщила Герману тайну трех карт.

В конце спектакля музыка безудержно ведет за собой и создает напряжение тревожного ожидания. Начинается финальная игра. Ставки сделаны. Зал замер в ожидании исхода. Абсолютная тишина. И снова появляется графиня как будто бы с неба и кричит Герману: «Это была шутка».

Все смешалось в голове Германа: терзания, видения, пустые надежды, проигрыш. Он оказался жертвой своих заблуждений. В лабиринте бредовых мыслей Герман теряет рассудок, ибо все было поставлено на карту. Жажда только материальных богатств ведет к безумию.

Надо отметить, что театр часто переворачивает восприятие классических произведений. Золотым ключиком к успеху этого спектакля является его яркая театральная зрелищность. А также немаловажную роль играют оригинальные костюмы, органичное сочетание ритмов красивого танго и фатального течения событий. Ну, а монотонные танцы безликих персонажей в масках просто гипнотизируют. И вообще, вся энергия мистического спектакля вибрирует в такт музыки.

Что же это было? Игра в жизнь или сама жизнь? Человек идет в театр, и вот, он уже в игре. Не надо углубляться в психоанализ, чтобы признать, что зритель приходит именно за новыми эмоциями. И желает их прожить вместе со всем зрительным залом. И интенсивно проживает, как и случилось при созерцании замечательной театральной фантазии режиссера А. Я. Славутского.

Журналист и писатель Вита Пунская

Фотографии Валерии Авдеевой и из архива Театра Качалова

Вита ПУНСКАЯ: Необычный «концерт» в Нижегородском театре драмы

 
 

(Нижегородский театр драмы, «Концерт для острова с оркестром», режиссёр

Алла Решетникова)

«Музыку нотами не сыграешь, музыку сыграешь душой» (Д. Крамер)

Музыка всегда являлась тем языком, который понятен любому человеку. Каждый хоть раз в жизни прислушивался к мелодиям морского прибоя, к веселому пению птиц, к завораживающим звукам леса, к медитативному ритму дождя. И поэтому сама завязка действия смотрится любопытно. Когда зрители готовы насладиться зрелищем, а занавес еще закрыт, уже слышен плеск морских волн на фоне приятной музыки, который навевает романтическое настроение. А через минуту на большом экране зритель видит чудесную панораму: волнуется синее море, с криками летают белые чайки, высится большой маяк, а по набережной бродит парень с барабанными палочками в руках, смотрит на море, прислушиваясь то ли к себе, то ли к окружающему миру. И вскоре он останавливается, начиная дирижировать. Похоже, что он дирижирует звуками природы, а может быть, той музыкой, которая звучит у него в душе.

Магистральную идею «Концерта для острова с оркестром» Алла Решетникова – автор пьесы и режиссёр – поясняет так: «Это спектакль о том, что, находясь в закрытом пространстве, человек может создавать целые миры». И в данном случае – это миры музыкальные, которые для этой постановки создал талантливый композитор Павел Амбарнов.

Режиссёр уверенно ткет лоскутное полотно многоголосого повествования о жизни островной семьи. Калейдоскопичная постановка удивляет своей зрелищностью и многообразием характеров. В спектакле есть множество интересных находок. Это и бар, преобразующийся то в помост, то в набережную. И вертикально стоящая лодка, в которой как бы «распят» пьяница Тим. И вздымающийся огромный шлейф красного платья, на фоне которого парит певица. Этот шлейф, скорее всего, символизирует страсть к жизни: он взмывает вверх, раскрываясь как цветок во все стороны. Нельзя не отметить и романтичные пейзажи, на фоне которых звучит музыка и творится действие.

Большую часть второго акта занимает уже настоящий концерт островитян. После горячих поцелуев влюбленных со сцены раздается утверждение: «Все зависит от того, сколько энергии у тебя внутри». А во время завораживающего представления видно, что жизненной энергии у жителей острова хоть отбавляй. Ведь раз есть цель, то будет и энергия.

И вот один концертный номер плавно переходит в другой. Ритмичный танец перетекает в лирическую песню. Артисты театра раскрываются для зрителя с новой стороны. «Песенку для двоих» исполняют Сергей Трофимов и Маргарита Баголей, и, кажется, что сама любовь говорит их устами. Романтическая поэтика музыкального шоу нарастает. Три пары азартно танцуют танго. Музыкальный праздник набирает обороты. Денис Гусев проникновенно поет песню «Зима». Алена Глазырина и Маргарита Баголей гармонично поют дуэтом.

В некотором смысле, заключительная часть спектакля – это чистой воды музыкальная терапия, поднимающая настроение. А терапия эта существует ровно столько, сколько существует мир. Примечательно, что в финальной песне повторяются такие слова: «Остров сделай из себя – остров неземной». И становится понятна мысль режиссера: «Мне нравится идея воспитания человека-вселенной» (Алла Решетникова).

«Ты – дитя вселенной, также как деревья и звезды. И твое право – быть здесь. Ты – часть Универсума. Ты не чужой здесь. Ты здесь не случайно – ты здесь необходим. Помни: самая важное в жизни – чувствовать себя необходимым, и если ты почувствуешь, что вся жизнь нуждается в тебе, ты будешь счастлив. Ты изменишься. Если тебе удастся почувствовать, что все существование нуждается в тебе – это будет твой самый грандиозный опыт, и ты будешь жить в экстазе…»

(Ошо Раджниш) кому-то тебя не хватает, что если бы тебя не было, был бы вакуум. Ты небесполезен, ты не поверхностен, ты важен. А поэтому, люби самого себя. Ты здесь необходим как необходимы деревья, цветы, птицы, солнце, луна, звезды. Ты должен быть здесь и имеешь право быть таким, какой ты есть. Утверждай себя таким какой ты есть и никогда не чувствуй себя виноватым.

Конечно, не приходится говорить об избыточности декораций, но это компенсирует оригинальная работа художника по свету Евгения Виноградова и постоянно меняющаяся видеозаставка на заднем плане, над которой трудился видеограф – актёр Николай Смирнов, лауреат Премии Нижегородской области им. М. Горького. Сценическое действие отлично вписывается в потрясающие морские пейзажи.

В театральном зрелище важна такая универсальность, когда становится ясно, что речь идет не только о герое спектакля, но о любом человеке вообще. Алла Решетникова в своем интервью подчеркивает: «Я говорю про уникальность каждой личности». А когда мы понимаем мотивы возникновения пьесы, тогда можно интерпретировать смысл. И интерпретировать его можно словами Д. Кэмпбелла: каждый должен «найти свою уникальную песнь в бесконечной и прекрасной симфонии нашей жизни».

Ну, а под занавес всё происходит как в сказке. Прилетает «волшебник» на вертолете и сбрасывает на площадку цветущего острова веревочную лестницу. Кто же по ней поднимется в небо? Догадаться не так уж сложно. И вот юный композитор, радостно улыбаясь, уже поднимается вверх, прямо как в фильме «Тот самый Мюнхгаузен». Ведь если кто-то готов «взлететь», то «вертолет» не заставит себя ждать.

Однажды Василий Ключевский сказал: «Музыка вызывает в нас аппетит к жизни». Вполне возможно, что и спектакль «Концерт для острова с оркестром», вызвавший бурные овации, тоже смог вызвать у зрителей аппетит к жизни.

Вита Пунская

Вита ПУНСКАЯ: Пьеса пронизана символическими намеками

 
 

(Нижегородский театр драмы, «Зойкина квартира», режиссёр Александр Марин)

«Жизнь каждого человека, если обозреть ее в целом, представляет собой трагедию, а рассматриваемая в частностях, она – комедия». (Шопенгауэр)

Как говорится, терапия искусством сейчас в тренде. И любой креативный спектакль немного раздвигает границы сознания, помогая понять что-то новое и о себе любимом, и об этом мире. И вот, в конце апреля, Нижегородский театр драмы порадовал зрителя как раз такой креативной премьерой. А именно, ярким многослойным спектаклем по пьесе знаменитого драматурга М. Булгакова, кстати, выстроившего свой текст по всем правилам старой доброй трагикомедии.

Стало быть, добро пожаловать на буффонаду под названием «Зойкина квартира». Буффонаду, как значится в программке, трагическую. Как известно, современное театральное искусство – это почти всегда отказ от стереотипов. Такова и сценическая версия пьесы московского режиссера Александра Марина. Она получилась оригинальной, эротичной и веселой. Причем спектакль держит внимание зрителя на всем своем протяжении, не давая отвлечься ни на секунду.

В спектакле присутствуют все критерии талантливой постановки. В первую очередь, это свежий подход режиссера и яркая харизма исполнителей. На втором месте – оригинальные костюмы (Л. Шепета), а порой и их отсутствие. Без сомнения, важна и музыка, органично вплетенная в ткань спектакля (композитор Д. Марин). Ну, и конечно, привлекают внимание танцевальные номера, поставленные Асией Горбачевой. В данном случае это откровенные зажигательные танцы, которые придают московской истории и четкий ритм, и жгучий вкус запретного плода. В постановке все настолько увязано воедино, что смотрится как фильм, в котором не заметно никаких швов. В общем и целом, зрелище получилось довольно праздничное, да еще приправленное страстной эротикой.

Что можно сказать про декорации? На сцене из мебели присутствуют только платяной шкаф и кровать. В шкафу периодически прячутся персонажи. А порой, как в черной дыре, кто-то даже исчезает. Хотя истинное назначение шкафа – хранение нарядов из красивой парижской жизни. Это настойчивый зов в манящую Францию. Ну, а на кровати творятся всякие дела, в соответствии с характерами персонажей.

Итак, главный персонаж истории – некая московская вдова Зойка. По профессии она – закройщица. В исполнении Натальи Кузнецовой эта молодая вдова очень хороша. И не просто хороша, а можно сказать безукоризненна. Элегантность сквозит во всех движениях актрисы. Идеальная осанка и отличная фигура соответствуют статусу богатой дамы. Приподнятый подбородок выдает определенную гордыню. Плюс профессиональный макияж и пышная модная прическа. Самоуверенность Зойки зашкаливает. Похоже, она знает, как манипулировать людьми мира сего. В интеллекте ей не откажешь, как и в умении подать себя. Есть в ней и привычка рационально мыслить, судя по беседам с ее любовником со странной фамилией Обольянинов.

Зойка совсем не желает, чтобы ее «уплотняли», как было принято по тем временам. Собственно, с этой целью в одно прекрасное утро и приходит к ней председатель домкома Аллилуя. Валентин Ометов весьма органично исполняет эту роль.

Конечно, у такой женщины как Зоя не может не быть любовника. Это бывший дворянин Обольянинов. В этой роли выступил Николай Смирнов. Его персонаж – это некий интеллигент. Кто же он на самом деле? Скорее всего, бездельник, живущий идеями свой женщины и ежедневными инъекциями. Так на сцене появляется молодой китаец по имени Херувим, который будет приносить Обольянинову химическое зелье. Милая улыбка и вкрадчивый голос Сергея Трофимова, исполняющего роль Херувима, очаровывают горничную Зойки. Молодой актер вызывает симпатию и у зрителей. Причем этот самый Херувим и сыграет роковую роль в жертвоприношении на алтарь новой жизни. Херувим – это сама судьба, вмешавшаяся в ход событий. Возможно, ангельский лик несовместим с убийством. Но так ли это? Может быть, ангелы снимают людей с земного плана, когда они выполнили свою миссию?

Ну, а крепкая завязка сюжета происходит в тот момент, когда в квартире появляется родственник Зои. Этот обладатель красивой фамилии Аметистов сваливается как снег на голову. Причем, материализуется очень кстати. Актер Денис Гусев играет роль этого жулика азартно и темпераментно. Его герой так и пышет энергией. Он активно жестикулирует, вдохновенно произнося свои бесконечные монологи. Кажется, что актер забывает о зрительном зале, погружаясь в свою колоритную роль. Аметистов гениален почти как Остап Бендер. Он также изящно управляет окружающими.

«Ваша любовь к ближнему есть ваша дурная любовь к самим себе. Вы бежите к ближнему от самих себя. Вы не выносите самих себя и недостаточно себя любите; вот вы хотели бы соблазнить ближнего на любовь и позолотить себя его заблуждением».

(Ницше)

Ключевой персонаж пьесы носит фамилию Гусь-Ремонтный. Это финансовый директор предприятия, богатый промышленник. Он же – первый посетитель дома свиданий. Роль Гуся исполняет заслуженный артист РФ Сергей Блохин. Его персонажа постигает тотальное разочарование. Что может быть хуже, чем когда узнаешь, что твоя возлюбленная работает в борделе... Эмоциональные сдвиги своего персонажа С. Блохин показывает очень ярко. От бессилия катаясь по полу борделя, актер умело соединяет выражения внешней эмоции гнева и внутреннего дискомфорта. Он замечательно передает горькое состояние покинутости. Что стоит на кону у героя? Его любовь. Самое лучшее, что случилось с ним в жизни. И он неистово жаждет вернуть все так, как было раньше.

Внешний конфликт Гуся переходит в конфликт внутренний. Горько сознавать, что та, которую ты любил, была с тобой только из-за денег. А деньги счастья ему не принесли. И он начинает раздавать их посетителям борделя. Не говорит ли это о благотворительности, которая следует за разочарованием в мирских делах?

«Дарить – не есть ли потребность? Брать – не есть ли сострадание? Должен ли благодарить дающий, что берущий брал у него?» (Ницше)

Надо отметить, что «Зойкина» история изнутри не является тем же, чем снаружи. В этом спектакле не все так уж прозрачно. Тема вроде понятна и актуальна: обогащение посредством запрещенной деятельности. Советские нувориши покупают запретный плод. Ибо денег куры не клюют, а счастья нет. И любви нет.

Но всем известна склонность Булгакова к мистике, к различным трансформациям и к говорящим фамилиям. И эта пьеса, без сомнения, пронизана символическими намеками.

Итак, фамилия Зойки звучит так: Пельц. А как переводится это слово? Шуба или шкура. Значит, Зойка в понимании Булгакова – это человек со шкурным интересом. Но кто занимается обработкой этой шкуры? Ну, конечно, возлюбленный по фамилии Обольянинов. Ведь «обольянин» – это тот, кто выделывает шкуры.

Аметистов – тоже говорящая фамилия. Как известно, аметист является минералом, который позволяет не пьянеть. Значит, молодой администратор борделя – человек, который не пьянеет от своих успехов. При этом блистательно исполняет свои обязанности. И исчезает с радаров, как только начинает пахнуть жареным. Это становится понятно по лоскутной биографии этого мошенника.

Любой спектакль всегда метафоричен. Хотя структура постановки не такая уж сложная, чтобы глубже понять идею, надо разобраться в теме рождественского гуся. И метафора здесь достаточно глубокая. Ведь весь ночной «карнавал» дома свиданий похож на святки перед Рождеством.

Фамилия персонажа финансового директора – Гусь-Ремонтный. Как известно, гуся приносят в жертву на Рождество. Здесь в жертву приносят человека, разочаровавшегося в богатстве и в любви. А что значит вторая часть фамилии – Ремонтный? Стало быть, душа подлежит ремонту. А что есть ремонт? Реинкарнация.

Теперь рассмотрим состояние сценического пространства. Оно все время трансформируется. Вначале – это квартира богатой дамы. Здесь и кровать, и шкаф, и стойки с нарядами. Потом гостиная квартиры превращается в ателье. На стену помещается портрет Маркса, автора известного всем текста «Капитала». Ибо в пошивочной мастерской собираются работать в традициях марксизма. Ну, а затем «Зойкина квартира» трансформируется в дом свиданий. И место автора «Капитала» занимает некая «Обнаженная Маха». Голая женщина, в общем. Таким образом, здесь сливаются две параллельные реальности. Трудовые победы трансформируются в победы эротические. Дневная смена и ночная смена переплетаются.

И вот он, момент ясности. Гуся приносят в жертву. Как и полагается на Рождество. Это символическое действие означает, что жизнь борделя пришла к финалу. Ну, или жизнь старого мира, который был ужасен. Как известно, во время спектакля в уме каждого зрителя идет свое представление. То шоу, которое видит и слышит только он. Это зависит и от места в зале, и от угла зрения, и от театрального опыта, и от предварительных знаний о пьесе, и от наблюдения за любимыми актерами. И вообще, любой спектакль – это некая терапия души без фрейдовского психоанализа. Какова же мораль этой истории? Наверное, такова: все греховное имеет свой конец. И поскольку итог посещения театра – переживание новых ощущений и впечатлений, можно сказать, что премьера удалась.

Вита Пунская

Вита ПУНСКАЯ: И это всё о чём, Или либретто к спектаклю «Изергиль»

 
 

(Нижегородский театр драмы, «Изергиль», режиссёр Тимур Галеев)

«Нам остается только надеяться, что в театр придет зритель, готовый к эксперименту и неожиданному прочтению» (Режиссёр Тимур Галеев)

Тимур Галеев, показавший «Старуху Изергиль» как эскиз в рамках Режиссёрской лаборатории ГИТИСа в прошлом театральном сезоне, в начале этого представил полную версию постановки.

На сцене театра оживают любовные истории из рассказов Горького «Старуха Изергиль» и «Макар Чудра», легенды о Данко и о Ларре, а также романтические притчи «Песнь о Соколе» и «Песнь о Буревестнике». Но не стоит ждать от новой постановки точного соответствия оригиналу. Говорят, что искусство и не должно быть предсказуемо. Иначе становится скучно. А поток ярких впечатлений можно получить, посмотрев новый спектакль, представляющий собой интересный синтез пластической драмы и музыкального театра.

Всем известно, что в оригинале произведение Максима Горького называется «Старуха Изергиль». Слово «старуха», присутствовавшее в первоначальной версии (эскизе спектакля), было решено убрать. Возможно, этот выбор будет воспринят неоднозначно. Но, как ни крути, человек боится старости. Того медленного угасания, когда уже нет ни желаний, ни энергии, ни красоты. Уныние – вот грех старости. Но когда есть, что рассказать о жизни, то от уныния не остается и следа. Откровенно повествуя о своем прошлом, Изергиль как бы очищается от него. Ведь как говорят психологи? Расскажи то, что скрываешь о себе, и тогда ты освободишься от прошлого. Это как исповедь.

А что такое мистерия? Это театральное зрелище, в процессе которого человек может войти в измененное состояние сознания. Это некое таинство, к которому допускаются только посвященные. Ибо трансцендентальные идеи могут быть восприняты только в форме мистерии. Проникновение в тайну мистерии – и есть выход на новый уровень понимания.

«Образ спектакля родился из мистериальной сущности. Это большой виноградный лист, который трансформируется и создает иллюзорные миры. Важный элемент – это связь между землей и небом. Растет лоза, набирается сил». (Художник-постановщик Никита Сазонов)

В многослойной постановке особую роль играет музыка, являясь тем языком, который понятен каждому. На сцене звучат восемь оригинальных композиций, в соответствии с количеством основных персонажей. Музыкальное сопровождение представлено в разных стилях: здесь и цыганский оркестр, и рок-группа, и хоровое пение «а капелла». Композитором спектакля выступил Альфит Фархадшин, уже работавший с режиссером на других проектах.

В новой инсценировке много хореографии. Это заслуга Маши Лутошкиной. Найдены оригинальные движения для каждого действующего лица. В массовых сценах органичная пластика поражает тем, как через танец можно показать глубокие эмоциональные состояния персонажа. Исполнителям удается выразить посредством тела и гнев, и злобу, и вожделение, и гордыню, и любовную страсть. Телесные терапевты говорят, что все в этой жизни надо почувствовать телом. Ведь пока эмоция не пройдет через тело, осознать ее невозможно.

Первая часть спектакля построена на монологах главной героини Изергиль (арт. Елена Туркова). Под экспрессивные комментарии ее бурное прошлое оживает на сцене. Перед зрителем проходит череда встреч и разлук женщины, которую режиссер представил в трех лицах (юность, молодость и зрелость). Изергиль в юности исполняет изящная Алена Хакимова.

Изергиль в молодости (Мария Мельникова) – это чувственная дама, ищущая мужского внимания и одержимая жаждой новых встреч. Такова уж ее природа. И вот, богатый турок (засл. арт. России А. Хореняк) зовет ее с собой. Жизнерадостная девушка с легкостью соглашается – и в результате оказывается в гареме. Харизма актера позволяет выражать эротическое вожделение в игривой манере. Его плавные покачивания в восточном стиле – замечательная находка хореографа. Ведь он танцует рядом с молодой женщиной, практически не перемещаясь, и целует ее, практически не прикасаясь. И просто раздевает своим похотливым взглядом. Это такая сентиментальная пантомима. Чувствуется, что зрители любят этого актера. То и дело в зале раздается смех, настолько забавно он выглядит в костюме любвеобильного турка.

Изергиль в зрелости исполняет Наталья Кузнецова, играющая сумасшедшую любовь к мужчине по имени Аркадэк. Сумасшедшую потому, что она идет на преступление ради встречи с любимым. Но, как потом выясняется, она ему не особо и нужна. Это красиво обыграно в оригинальном сценическом решении их тесных объятий. Визуальная картинка поцелуя копирует картину Рене Магритта «Влюбленные», на лица и головы которых накинуты белые простыни. Эти покровы, скорее всего, символизируют чувственное отдаление и отчуждение. А может быть, подчеркивают ту мысль, что мы в реальности не знаем человека, которого любим.

Под звуки скрипки, бубна и гитары «Легенда о Ларре» продолжает ход пластической мистерии. В роли рассказчицы теперь выступает Наталья Кузнецова. Главный герой Ларра (Сергей Трофимов) – персонаж нетипичный. Это сын женщины и орла. Актер изображает гордыню резкими движениями тела. В частом передергивании плечами читается высокомерие. Зритель считывает презрение в сжатых губах и в жестоком взгляде. Через пластику актер транслирует также недовольство и злость. Страдания персонажа С. Трофимов изображает посредством креативной биомеханики движений. Невербальная выразительность артиста на высоте. Действо, похожее на аллегорическую пантомиму, сопровождается исполнением «Песни о Соколе», которая органично вплетается в старинную легенду.

«Важно было, чтобы актеры выражали через тело содержание роли. Это скорее пластика, чем хореография». (Хореограф Маша Лутошкина)

Второе действие открывает трагическая история молодых цыган Лойко и Радды. Роль рассказчицы Изергиль исполняет очаровательная актриса Мария Мельникова, погружающая зрителя в мир кочевой жизни. Лаконичное художественное решение превращает огромный виноградный лист в шатры табора. Слышны цыганские мотивы в исполнении небольшого оркестра. Тут и гитара, и скрипка, и бубен. Бодрая энергия молодости транслируется в зрительный зал.

Что мы видим на сцене? Вначале гордая Радда просто насмехается над ним, желая доминировать. Но сердцу не прикажешь. И вскоре любовь охватывает и ее. Фоном накаляющихся страстей звучит цыганская песня в исполнении Марии Мельниковой. Через откровенный танец молодой пары передается их любовное наваждение. А красный цвет одеяний лишь подчеркивает неуемную страсть…

Завершает спектакль «Легенда о Данко». В финальной части каждая сцена пропитана четким музыкальным ритмом и особым эмоциональным накалом.

Здесь нет диалогов, это сплошной экшн. Это зрелище действительно можно назвать мистерией. И разворачивается она под рок-музыку, исполняемую оркестром прямо на сцене. Как развиваются события? В зловещем сумраке покачиваются ветви. Актеры в круговом пластическом танце показывают отчаяние своих персонажей. В их глазах – страх неизвестности. Музыкальное напряжение и экзистенциальная тревога постепенно нарастают. Это немного похоже и на драматический мюзикл, и на пантомиму.

И, наконец, появляется смельчак. Молодой герой актуален и в наше турбулентное время. Актер Денис Волков в роли Данко выглядит абсолютно реалистично. В его глазах – отвага. В его телесных посылах – решимость и свобода движения. Он знает, куда идти. Персонаж транслирует уверенность в себе и выдвигается вперед. Люди как черные тени выстраиваются за ним. Вся процессия в пластическом танце ритмично движется к краю сцены, и создается такое впечатление, что они сейчас направятся прямо в зрительный зал. Но проходит время, а выхода не видно. Тьма сгущается. И племя начинает роптать и бунтовать. Героя окружают и нападают на него с рогатинами. Злоба так и пышет в движениях актеров.

И тогда Данко вырывает свое пылающее сердце… Данко покажет путь, но, выведя людей из тьмы, сам погибнет. А метафорическим сердцем, которым актер освещает дорогу, согласно режиссерскому замыслу, является гроздь винограда. Вспоминается библейская тайная вечеря и слова, с которыми Иисус обращался к своим ученикам: «Пейте… ибо сие есть Кровь Моя».

В героическом акте самопожертвования и содержится главная идея этой части спектакля. На сцене разыгрывается божественная мистерия, а значит – мировая драма. И, как говорят философы, эта драма должна разыграться в душе каждого человека. Каждый должен найти в своем сердце любовь. Но чтобы совершить подвиг, нужно вдохновение свыше.

Умершего Данко завертывают в белое полотно, похожее на плащаницу. И поднимают таким образом, что его тело практически повторяет контуры креста. Теперь Данко символизирует распятого Христа, который пожертвовал собой ради спасения грешников, томящихся в аду (по сюжету – в непроходимом лесу). Далее идет сцена, похожая на снятие с креста, отображенная на полотнах многих художников. Торжественное шествие похоронной процессии предваряет вознесение. И вот, зрители видят, как белым облаком возносится в небеса светлая душа. Это тоже один из актов христианской мистерии.

И сразу мороз по коже от грозного голоса Елены Турковой, возглашающей «Песнь о Буревестнике». Глубокое и проникновенное исполнение вызывает удивительный душевный подъем. «Пусть сильнее грянет буря!» А что такое надвигающаяся буря? Буря природная или буря в душе человеческой? Чувствуется мощный посыл, который актриса эманирует в зрительный зал: надо преодолеть свои страхи, надо стать свободным как Буревестник.

Какая нота звучит в конце спектакля? Все-таки, это нота надежды. Оригинальная мелодия молдавской песни словно вводит в трансовое состояние, раскачивая сознание зрителя. Ощущая мощную энергию, идущую со сцены, зал подхватывает ритм песни. И встречает финальный танец актеров ритмичными аплодисментами.

Конечно, каждый по-своему будет трактовать это новое прочтение произведений Горького. Но надо отметить, что для полного погружения в представленные сюжетные линии необходима некая подготовка зрителя. То есть предварительное знакомство с содержанием рассказов. И тогда мистериальная версия режиссера заиграет яркими красками.

Вита Пунская

Вита ПУНСКАЯ

Журналистка

«ЖЕНЯ + ТАНЯ = ЛЮБОВЬ»

О фестивальном спектакле минского ТЮЗа

 
 

Блажен, кто смолоду был молод…
А. С. Пушкин «Евгений Онегин»

Классику будут ставить всегда, ибо на то она и классика: неизменно актуальна. Ну, а что уж говорить про «энциклопедию русской жизни», как назвал этот блестящий роман в стихах Белинский. Правда, это было двести лет назад. Но время не стоит на месте, и современные интерпретации произведения Пушкина, как волны, -накатывают со всех сторон. И зритель идёт в театр. Он знает: сейчас модно инвестировать в новые впечатления. И делиться ими.

Режиссёр (Т. Самбук) создала такую театральную версию, в которой трудно что-либо понять, не зная содержания оригинального текста «Евгения Онегина». Ну, в программке написано «по мотивам» — значит, по мотивам. Все же смотрят фильм «Три мушкетёра», который тоже сотворён «по мотивам» романа, и не возмущаются по поводу содержания. А новый спектакль, возможно, поставлен с целью заинтересовать тех, кто с творчеством Пушкина ещё не очень знаком. Ну, или забыл основную канву произведения. И вообще — во времена клипового мышления некоторые постановки становятся похожи на череду видеоклипов.

Конечно, вряд ли можно уложить в девяносто минут все перипетии романа в стихах, тем более, что сценическое время занимают и лирические песни главных персонажей, и странное томление зайца, и эксцентричные похождения медведя. Кстати, надо отметить: музыка и сольные песни молодых людей стали одной из удач спектакля.

На каком же языке выполнена инсценировка белорусского ТЮЗа? Кто-то сказал: на языке фарса. Но особого фарса — лёгкой комедии там не усматривается. Не уходит

постановка и в абсурд, хотя лёгкая буффонада всё же присутствует. Всем понятно — оригинальный текст значительно сокращён. Может, именно поэтому всё и получилось слишком упрощённо.

Но начнем сначала. Итак, перед нами предполагаемая «деревня, где скучал Евгений». Повсюду наблюдается зелёная растительность. А как известно зелёный — это цвет возрождения. И это хорошо, поскольку главные герои юны. И зритель ждёт проявления бурных чувств. Но дождётся ли? На зелёном фоне эффектно смотрятся жёлтые цветы. А это цвет солнца, молодости и жизнелюбия. Что опять же должно характеризовать главных героев. Но персонажи выглядят какими-то угрюмыми интровертами.

«Жизнь большого и знатного света не что иное, как беспрерывная и отчаянная борьба со скукой…»— писал Шопенгауэр.

Итак, постановке даётся ори гинальное название, звучащее как детская формула, а именно: «Женя + Таня = любовь».

Но особой любви там не усматривается. Ни особой, ни вообще какой-либо. Всё слишком схематично. Постановка больше похожа на некие эскизы к произведению Пушкина.

Приехал Онегин к своему дяде «самых честных правил». Познакомился с Ленским. И вот уже они — «от делать нечего друзья» — прибыли в дом Лариных.

Всё семейство в сборе. Тут и обеденный стол, и кастрюля с супом, и гусь, и брусничная водочка. Все пытаются развлечь вновь прибывшего гостя, Евгения.

А Татьяна тем временем почему-то забирается под стол! И сидит там во время трапезы, сжавшись. Интрига!

Актёр, играющий Онегина, изображает и гордыню, и высокомерие, но как-то не очень убедительно.

И вот настает время лирической песни. Их в спектакле четыре. Первую взволнованно поёт влюблённая Татьяна. Припев там такой: «Лови меня, лови!» Эти слова явно обращены к Онегину.

Но персонаж, пребывая в хандре, призывы девушки игнорирует.

Далее по сюжету скучающий Онегин получает письмо, да не простое, а (хочется сказать золотое) в виде пергаментного свитка.

Длинного такого, почти во весь обеденный стол. Меланхолично раскатывает он этот свиток во всю длину и почему-то выборочно читает строки из него.

Несколько слов — здесь, несколько слов — там.

Для зрителя, не знакомого с содержанием письма Татьяны, это выглядит не очень связно.

Кстати, пергамент — это матери ал для письма, сделанный из кожи животных. Неспроста на сцене потом появятся и заяц, и медведь.

«Беспокойные желания рисуют перед нами химерическое счастье, которого совсем не существует, и склоняют к погоне за ним…» — писал Шопенгауэр.

Не будем пересказывать дальнейшие сцены, включая страшный сон Татьяны и мимолётную дуэль, а сделаем квантовый скачок во времени.

Так вот, чтобы перенести действо из деревни в Москву, коврики с зелёными насаждениями на глазах у зрителей медленно уносятся за кулисы. Что, понятное дело, романтичности спектаклю не придает.

А на сцене остаётся одинокий обеденный стол. Для пущего эффекта на стол громоздят стул, на который чуть позже усаживается Татьяна.

Не каждый поймёт, но так была показана её духовная высота, недостижимая для пристроившегося внизу мужа.

А потом — и для стоящего на коленях Онегина, читающего финальный монолог.

Актёр, исполняющий роль Онегина, в этом монологе транслирует плач амбиций персонажа.

С какими интонациями произносится эта речь? Эгоистического пафоса больше нет, а скользит лишь бесконечное сожаление и горечь. Жизнь героя по-прежнему пуста.

«Духовно пустой человек боится одиночества, ибо в одиночестве он видит свое внутреннее содержание…» — писал Витгенштейн.

Если рассматривать спектакль с точки зрения «А как заинтересовать юного зрителя классическим произведением?», то он вполне любопытен. Действие романа занимает около шести лет, поэтому сложно уместить все эти годы в полтора часа сценического времени.

Поэтому всё и получилось так фрагментарно. И да, спектаклю не хватило какой-то живости, хоть периодически и присутствовала интерактивная игра со зрителями.

Но, возможно, не читавший Пушкина юный зритель после просмотра задаст себе вопросы: а что такое случилось с Татьяной и почему она прячется? О чём на самом деле говорится в любовном письме? Почему Онегин флиртует с Ольгой? Откуда взялся медведь? По какой причине друзья решают стреляться? Почему Татьяна находится на «высоте» в финале спектакля?

В любом случае, спектакль — это всегда интенсивное общение с душой зрителя.

Не исключение и эта постановка. Хотя после спектакля остаётся странное послевкусие.

Что же на самом деле хотели сказать его создатели?

Может, то, что в мире клипового мышления и спектакли должны быть соответствующие?

А может, то, что влюблённость ведёт к страданию, а молодость — быстротечна?

Или то, что надо прощать ближнего своего? Ибо, как говорит Библия, если будете прощать, то прощены будете.

А может, то, что богатый человек быстро пресыщается богатством и всё ему кажется скучным? И что надо искать уже счастья не материального, а иного?

Нижний Новгород

Опубликовано в журнале "Литературные знакомства" Nº 12 - 2024 (99)